Cours de Musique à Charleroi Categories
Nos techniques de chant Bien que chanter soit accessible à tous, trouver sa voix reste tout un art !Découvrez toutes nos astuces pour bien chanter Chant : 5 exercices pour apprendre à respirerUne bonne respiration est la clé pour bien chanter ! En effet, la qualité de votre voix dépend de la qualité de votre souffle. Des techniques de respiration sont nécessaires pour apprendre à bien respirer et par la suite, à mieux chanter. En voici quelques unes.Lire la suite Cours de chant : mémoriser les paroles d'une chanson facilementApprendre les paroles d'une chanson par coeur vous permet de mieux interpreter le morceau ! Vous pourrez également vous contentrer plus amplement sur votre voix et respiration que sur la recherche des paroles, et par ce fait, de mieux chanter. Voici nos conseils pour mémoriser rapidement les paroles d'une chanson.Lire la suite 6 conseils pour chanter du jazzIl n’est pas indispensable d’avoir une tessiture ou une technique extraordinaire pour chanter du jazz. Chanter du jazz, c’est avant tout explorer les sonorités de votre voix et apprendre comment apporter votre touche personnelle à un morceau. Voici nos 6 conseils pour apprendre le jazz !Lire la suite
0 Confinement : 5 raisons pour faire de la musique ! ...
Voici les 5 raisons qui prouvent que c'est le moment de faire de la musique, seul ou avec votre professeur !Raison n°1 : ça occupe les enfantsVous êtes coincés à la maison avec vos enfants ? Proposez-lui de jouer de son instrument. Bien sûr il peut prendre des cours à distance avec nos cours en ligne et poursuivre son apprentissage "comme si de rien n'était". C'est peut-être aussi l'occasion pour lui de découvrir des horizons nouveaux. Proposez-lui de jouer des morceaux qui le font rêver et qui le motivent réellement pour jouer un peu tous les jours !Raison n°2 : vous avez le tempsEn fonction de votre situation personnelle, le confinement est peut-être pour vous l'occasion d'avoir du temps pour vous. Comment avez-vous décidé de profiter de ce temps? Ranger vos placards, apprendre à méditer, cuisiner, bronzer au soleil... Et pourquoi pas vous fixer un objectif musical? Raison n°3 : un super échappatoireLa musique est un excellent moyen de s'échapper du quotidien. Vous vous concentrez sur votre posture, votre souffle. Lecture de note, maîtrise de ses gestes, synchronisation des membres, tout cela demande énormément d'énergie et c'est tant mieux ! Autant de temps passé à ne pas vous inquiéter des nouvelles qui nous assaillent...Raison n°4 : ça permet de se connecter avec d'autresAvez-vous vu passer les vidéos des Italiens qui chantent et jouent de la musique à leur balcon? Il est vrai que la musique est culturellement très bien installée dans le quotidien des Italiens et qu'ils sont très nombreux à savoir jouer d'un instrument. Mais, honnêtement, vous n'êtes pas un peu jaloux? Pour les plus courageux, n'hésitez pas à ouvrir vos fenêtres et à jouer. Vous pouvez également partager vos vidéos sur les réseaux sociaux avec le #GardonsLeRythme, ou directement à vos proches qui pourront voir vos progrès.Raison n°5 : pendant ce temps vous n'êtes ni sur Facebook ni sur BFM !Marre des réseaux sociaux et leur lot de "fake news" ? Marre de BFM et des reportages en boucle ? Débranchez tout, respirez et faites de la musique, c'est notre meilleur conseil ! Et surtout, prenez soin de vous !
0 Comment transposer facilement une partition ? ...
Vous avez enfin trouvé la partition que vous cherchiez et au moment de la jouer, vos espoirs s’effondrent… Trop de dièses, de bémols, trop haut ou pas assez, bref, pas du tout adapté à votre niveau, à votre instrument ou à votre voix ? Pas de problème, il suffit de la « transposer ». On vous indique la marche à suivre. Transposer une partition, à quoi ça sert ?Transposer une partition, c’est en changer la tonalité, soit l’augmenter ou la baisser d’un ou de plusieurs demi-tons.Lorsque plusieurs musiciens doivent jouer ensemble, ils peuvent avoir recours à la transposition. Un morceau écrit pour un piano peut par exemple être joué par un autre instrument – du moins la main droite qui représente la ligne mélodique – mais alors que les dièses et les bémols sont simples à réaliser sur un clavier, ils sont de vrais exercices de contorsion pour une flûte traversière ou encore pour un saxophone. De la même façon, certains instruments comme la trompette ou la clarinette sont décalés au niveau de leur tonalité. Jouer un Do sur ceux-ci, donnera en réalité un si bémol. Bien compliqué lorsque l’on souhaite marier ces instruments avec d’autres. La seule solution est alors de transposer les morceaux, pour que chacun joue des notes harmonieuses.Transposer une partition est possible pour tous les instruments, toutes les clés et toutes les formes d’écriture musicale : partitions, tablature ou grilles d’accord. La transposition facile grâce à quelques explicationsPour transposer un morceau, il faut donc savoir lire et écrire les notes de musiques, mais aussi connaître les intervalles mélodiques et harmoniques. Vous devez savoir ce qu’est une note, une gamme, un intervalle et si possible, connaître le nom des gammes et leurs altérations.Prenons un exemple très simple avec les premières mesures de la comptine Au Clair de la Lune qui commence par un Do. Admettons que vous vouliez la transposer en Fa. Puisque l’intervalle entre Do et Fa est composé de 4 noms de notes, soit deux tons et un demi ton, il vous faudra augmenter toutes les notes du morceau de cette même quarte.Do – do – do – ré – mi – ré / Do – mi – ré – ré – doDonnera donc :Fa – fa – fa – sol – la – sol / Fa – la – sol – sol - fa Des astuces pour transposer une partition encore plus facilementLa transposition est donc une histoire d’additions et de soustractions, qui nécessite quand même bien des bases de solfège. Même si certains musiciens parviennent très vite à transposer un morceau d’un simple coup d’œil, question d’habitude, il est important de coucher vos changements sur le papier. Ils pourront vous resservir ultérieurement et être pratiques pour les autres musiciens qui voudraient vous accompagner.Vous trouverez sur internet ou en magasins toutes sortes de logiciels pour transposer vos partitions. Certains, très simples, vous proposerons les notes une par une, en rapport avec celles que vous entrez et de l’intervalle choisi. D’autres, plus complets, vous permettront de télécharger des partitions et de les transposer à l’infini.Vous pouvez également trouver sur la toile des sites qui vous indiquent simplement le nombre d’altérations pour passer d’une gamme à une autre, ou pour passer d’une clé d’ut à une clé de sol par exemple.Transposer une partition sans notion de solfègeSi vous trouvez ces méthodes de calcul trop complexes ou que vous n’avez pas la chance de posséder les notions de solfège dont nous vous parlions plus haut, vous pouvez essayer de réaliser cette transposition en jouant d’oreille.Cette méthode est moins conventionnelle mais peut servir en cas d’urgence ou pour transposer une simple ligne mélodique.
0 La Musique de film : Quand le son épouse l'image... ...
Nous fêtons cette année les 100 ans de la musique de film. Cet art à part entière est quasiment né avec le cinéma, c'est-à-dire au début du 20ème siècle. Dans le cinéma muet, la musique n'est pas encore écrite spécialement pour les films. Il s'agit d'un pianiste qui improvise pendant la projection sur les images diffusées en même temps. Du coup, la musique sert en grande partie de moyen de retranscription des émotions autrement qu'avec les mots. L'absence de bruitages participe également à cette musique comme « accompagnement » uniquement. C'est en partie pour cela que dans le cinéma muet, les comédiens donnent parfois l'impression de surjouer, d'en rajouter dans leurs attitudes, dans leurs mouvements. Et la musique est là pour illustrer ce silence à travers des partitions gaies pour les moments comiques ou plus tristes pour les passages dramatiques. L'apparition du parlant a joué un rôle prépondérant dans le développement de la musique de film. D'ailleurs, le tout premier film parlant de l'histoire, (« Le Chanteur de Jazz », 1927) est presque une comédie musicale. Cependant, la musique n'est pas encore partie intégrante du projet cinématographique et il faut attendre quelques années et quelques débats (Stravinsky la considère en effet comme du « papier peint ») pour que la musique ait une place à part entière dans le 7ème art. Elle va alors être beaucoup plus qu'une simple « illustration ». Elle donne du sens aux scènes filmées, enrichit le scénario, le récit et le jeu des acteurs. Elle rend souvent plus claire ou plus logique une histoire filmée... Souvenons en effet de la scène d'hélicoptère d'« Apocalypse Now » (F.F. Coppola, 1979) La chevauchée de Valkyrie de Wagner est clairement la métaphore de la guerre et de la mort sur ce passage sanglant... De grands compositeurs classiques et contemporains vont d'ailleurs s'essayer à la musique de film : Camille Saint Saëns, Darius Millau, Ibert, Ravel ou Prokoviev...Dans les années 50, les techniques s'améliorent et ce sont aussi le début des grandes collaborations comme Hitchock et Bernard Hermann ou 20 ans plus tard Spielberg et John Williams.. Aujourd'hui, beaucoup de compositeurs se sont vraiment spécialisés dans la musique de films. Certains sont même « compositeurs de musiques de films » avant d'être compositeurs tout court. Ils ont leur propre style, leur propre approche de l'image. Malgré ça, il existe encore un débat de fond. Certains pensent que la musique de film doit être celle « qu'on entend pas », celle qui doit s'oublier...D'autres au contraire estiment vraiment qu'elle doit être « la couleur » du caractère des personnages ou du style du film et donc une musique dont on doit se souvenir. Le compositeur franco-Roumain Vladimir Cosma est de ces derniers. Il a travaillé avec des dizaines de réalisateurs des années 60 à aujourd'hui. Malgré la différence des films, on retrouve à chaque fois sa couleur, son style à savoir des thèmes précis et très accrocheurs et des influences de la musique de l'Est. Qui n'a pas en tête le fameux air à la flûte de Pan du « Grand Blond avec une Chaussure Noire », d'Yves Robert (1972) ? On parle même parfois de « troisième auteur » pour désigner le compositeur de la Bande Originale. Beaucoup d'entre eux vont créer utiliser ce qu'on appelle le « motif » pour donner du sens à une scène ou un film. Nous pensons bien sûr au compositeur Bernard Hermann et au film « Psychose » (Alfred Hitchcock, 1960) et son fameux thème strident qui agit ici sur le spectateur comme le réflexe de Pavlov : le thème nous fait prendre conscience d'un assassinat ou d'une scène dramatique imminente... La musique classique n'est plus le seul genre très présent au cinéma. De plus en plus de bandes originales aujourd'hui utilisent les musiques actuelles et ce dans différents styles : Jazz, blues, rock, country et bien sûr la musique électronique, dont l'ouverture peut promettre au réalisateur des partitions singulières et riches.En plus des cours traditionnels des différents instruments de l'orchestre, Nous vous proposons d'aborder si vous le souhaitez la composition. Si votre projet musical est de faire se rencontrer de la musique et de l'image, contactez-nous dès maintenant pour vous mettre en relation avec la personne qui organisera au mieux cette rencontre !Voici quelques exemples de grandes bandes originales : M le Maudit (1931) de Fritz Lang. Musique de Edvard Grieg / Psychose (1960) de Alfred Hitchcock. Musique de Bernard Hermann / 8 et Demi (1963) de Frederico Fellini. Musique de Nino Rota / Le Mépris (1963) de Jean Luc Godard. Musique de Georges Delerue / Il était une fois dans l'Ouest (1968) de Sergio Leone. Musique d'Ennio Morricone / 2001, l'Odyssée de l'espace (1968) de Stanley Kubrick. Thème d'ouverture du Beau Danube Bleu de Strauss / Les Chariots de Feu (1981) de Hugh Hudson. Musique de Vangelis / E.T. (1982) de Spielberg. Musique de John Williams / Le Grand Bleu (1988). Musique de Eric Serra / Le Fabuleux Destin d'Amélie Poulain (2000) Musique de yann Tiersen Etc...
0 Les clés du succès pour progresser # 1 : une heure de cours, la durée idéale ! ...
Dans certains cas, 1h cela peut paraître long voire très long : dans une salle d'attente chez le dentiste, dans un embouteillage...Mais dans un cours de musique, l'horloge défile souvent bien trop vite.Et je vais vous expliquer pourquoi. En général, un plan de cours se construit en 3 parties (environ 20 min chacune) :1- Une partie technique/théorique.Dans le cadre de l’apprentissage de son instrument il est essentiel pour le musicien en herbe de savoir comment bien l’aborder techniquement. Une série d’exercices sera donné à l’élève et sera pratiqué régulièrement afin d’adopter de bonnes positions ainsi que des mouvements fluides et relâchés qui sont autant de bons réflexes pour pouvoir jouer un morceau dans de bonnes conditions. En fonction de l’instrument et du type de musique abordé, l’enseignant pourra donner des exercices de lecture de notes et lecture rythmique. La pratique d’exercice ne demande cependant pas systématiquement l’application du solfège. Dans le cadre d'un cours de chant, au moins 5 à 10 minutes sont consacrées à l'échauffement (assouplissements, étirements...)2 - Une partie d’étude de morceau afin d’appliquer la technique/théorie à la pratiqueLa concrétisation de la théorie et de la technique au travers de morceaux est très importante. L’élève se constitue un répertoire qui va pouvoir rendre compte de sa progression et préserver sa motivation pour continuer son apprentissage. Il est pour cela essentiel que le professeur puisse proposer à l’élève un répertoire qui lui plaise et lui donne envie d’aller plus loin. Exemple pour les cours de piano : l’apprentissage de B.O de film pour les 8-15 ans. Plusieurs témoignages de parents d'élèves nous ont permis de constater que pour certains enfants la musique du film « Pirate des Caraïbes » a permis au moins autant de vocations pour apprendre le piano que « la lettre à Elise ». 3 - Une partie consacrée à faire le point sur les nouvelles notions abordées, les exercices à travailler jusqu’au prochain coursLe professeur peut faire un « feed back » sur tout ce qu’il aura enseigné à l’élève en résumant les principaux points de cours. C’est aussi l’opportunité pour l’élève de poser toutes les questions qu’il souhaite. Dans cette partie du cours l’interaction entre l’élève et le professeur est primordiale. Au-delà des informations données durant la classe, le professeur peut par exemple orienter l’élève vers des références discographiques, des vidéos sur youtube ou même des concerts à aller voir. L’élève peut également faire des commentaires sur des œuvres qu’il aura écoutées et demandera son avis au professeur. « Un professeur normal montre, un bon professeur explique, un excellent professeur inspire »
0 Idée reçue n°4 : « Je n’aurai pas le temps de pratiquer ma guitare tous les jours, inutile de prendre des cours.» ...
Un des facteurs principaux dans l’apprentissage d’un instrument est la régularité : dans le rythme des cours et dans votre pratique. Mais il ne faut pas confondre régularité et temps de travail. L’important est de trouver votre rythme. Chaque personne ne progresse pas à la même vitesse, et il n’est pas impératif de pratiquer une heure par jour pour sentir les résultats venir. Il faut rappeler que nous proposons des cours pour le plaisir, nous ne formons pas forcément des concertistes professionnel.Découvrez l'ensemble de notre dossier pour apprendre la guitare plus rapidement à l'âge adulte. Paroles de profPour mieux illustrer ces propos laissons la parole à Tom, professeur de guitare chez nous depuis 4 ans : « La question de la régularité des cours et du travail personnel prend une part importante dans l’organisation de mes cours. Le travail personnel demandé prendra compte du rythme des cours, et de l’emploi du temps de l’élève. Par exemple, dès le collège, les enfants ont souvent des emplois du temps de ministre et il est important de rassurer les parents par rapport à ça." "Pour les adultes qui doivent concilier vie de famille et vie professionnelle là aussi la question se pose, et des solutions existent. Un rythme d’un cours tous les 8 jours reste efficace, avec un programme de travail adapté.Le fait de pratiquer tous les jours, même 10 minutes permet de maintenir une progression stable et durable. En tant que professeur, je comprends que certaines périodes sont plus chargées que d'autres, je peux le prendre en compte ! Mon rôle est aussi d'apporter un conseil sur la gestion de leur temps de pratique et les exercices à prioriser. Il ne faut pas que les cours deviennent une contrainte, en cela mon rôle est primordial pour que l’apprentissage reste un moment de plaisir, pendant et après les cours." Dans le même thème : Pratiquer la guitare quand on a la flemme ? / Comment se passe un premier cours de guitare ?
0 Cours de guitare : comment apprendre la guitare ? ...
Envie de se lancer ? Besoin de conseils pour bien démarrer votre apprentissage de la guitare? Voici quelques informations qui vous aideront à faire vos premiers pas à la guitare, tous styles musicaux confondus !L'instrument le plus adapté à nos envies...La première question à se poser avant de démarrer la guitare est : quel est l'instrument qui correspondra le mieux à mes envies ? Il existe une grande variété de guitares, que l'on peut classer en 2 grandes catégories : Acoustique et Electrique. Les guitares acoustiques (ou « sèche ») d'un côté :Il faut différencier les classiques (cordes nylon) au son doux, pur et cristallin et au manche large plus adapté au jeu et répertoire classiques et les folks (cordes acier), au son plus puissant et plus métallique, avec un manche plus étroit, convenant à ceux qui souhaiteraient s'orienter vers un répertoire de musiques actuelles. Il est à noter que la tension des cordes sur ces guitares est plus importante.Les guitares électriques de l'autre: Avec leur système d'amplification sonore, elles permettent un bon nombre d'effets et conviennent aux styles rock et jazz. Contrairement aux idées reçues, il est tout à fait possible de démarrer par cet instrument. Aussi, le manche étant plus étroit et les cordes plus fines, la guitare électrique est généralement plus facile à jouer que sa sœur acoustique. Les questions les plus fréquentes :A quel âge peut-on débuter ?Il n'y a pas d'âge précis puisqu'il existe des guitares de taille réduite (3/4 ; 1/2 etc ...) qui permettent même aux plus petits de commencer sans problème. On peut dire raisonnablement qu'entre 4 et 6 ans la guitare devient accessible. Inversement il n'est bien sûr jamais trop tard pour débuter !Le solfège est-il obligatoire ?On peut se passer du solfège pour jouer de la guitare ! De très grands guitaristes comme Jimi Hendrix n'ont jamais lu une seule note de musique ! Néanmoins, connaître le minimum vital en matière de solfège (ce qu'on apprend au collège !) vous sera d'une grande aide notamment pour échanger avec d'autres instrumentistes !Quelles méthodes, quels outils ?La guitare utilise donc d'autres outils que le solfège, qui rendent son apprentissage beaucoup plus accessible que d'autres instruments : la tablature permet de figurer les doigtés (on représente les cordes par 6 traits horizontaux, sur lesquels on vient placer des chiffres correspondant aux cases sur lesquelles il faut appuyer) et les diagrammes d'accords représentent le positionnement des doigts sur le manche correspondant à un accord donné. Démarrer sur de bonnes basesLa guitare bien plus que tout autre instrument a une tradition d'enseignement orale, il faut dire que son origine remonte à la Perse antique ! L'aide d'un professeur est donc précieuse pour tout néophyte. En effet, l'apprentissage en autodidacte (à l'aide de méthodes audio ou même vidéo) est bien trop aléatoire pour que tous arrivent au résultat escompté : personne ne peut corriger vos erreurs éventuelles. Apprendre la musique est avant tout apprendre à apprendre. Travailler seul demande de la rigueur, du courage, de la méthode et un certain niveau d'expérience.De plus, il s'agit d'un instrument un peu à part avec on l'a vu des outils spécifiques (tablature, diagrammes etc ...). Les cours en conservatoires sont donc limités dans le sens où l'on y travaille uniquement la guitare classique voir un peu de jazz mais avec des méthodes inspirées par la pédagogie classique et notamment l'obligation d'apprendre le solfège pendant 2 ans avant de commencer la pratique instrumentale. Quant aux écoles orientées musiques actuelles, elles nécessitent déjà un bon niveau avant de pouvoir y entrer.Les cours particuliers sont donc, à n'en pas douter, le moyen le plus efficace pour apprendre la guitare : ils permettent une relation privilégiée entre élève et professeur, un apprentissage ludique, le contact immédiat avec l'instrument et surtout un programme pédagogique à la carte avec ouverture musicale sur différents styles en fonction des besoins et envies de l'élève. Ne vous découragez pas, soyez motivés et heureux car vous venez de rentrer dans le monde merveilleux des amateurs de la « six cordes ». Vous allez bientôt découvrir tout le plaisir que peut procurer une pratique musicale, et si vous vous sentez perdu n'hésitez pas à nous contacter !
0 Top 5 des meilleurs exercices de solfège pour progresser ...
Le solfège doit être travaillé tout autant que l’instrument pour progresser plus rapidement. Rythmes, lecture de notes, déchiffrage de partitions, il n’est pourtant pas toujours une partie de plaisir… Nos professeurs diplômés vous proposent quelques exercices de solfège pour progresser plus efficacement. 1. Décomposer les rythmes d’une nouvelle façonLes premières leçons de solfège que l’on suit à l’école, en primaire ou en maternelle, portent d’abord sur l’identification des notes. On apprend alors que chaque symbole renvoie à une note, mais aussi à un rythme bien précis. « Noire, noire, deux croches noire, blanche »… Nous avons tous déjà scandé ces chansons rythmiques instituées par Maurice Marthenot, mais sachez qu’une autre méthode de décomposition chiffrée existe. Il peut en effet être plus facile et plus logique pour l’élève de nommer les temps « 1 - 2 – 3 – 4 » plutôt que de prononcer l’imprononçable « ron – on – on – de ». On parle alors de « subdivision numéraire ». 2. Progresser grâce à la lecture de notesDéchiffrer une partition ou une tablature, c’est parvenir à lire les ensembles de notes. Plus cette lecture sera fluide, plus votre jeu sera facilité. Pour progresser plus rapidement, prenez l’habitude de vous asseoir chaque jour quelques minutes devant une partition et de lire les notes. Vous entrainez ainsi visuellement votre cerveau à associer un symbole, à une note, puis à un doigté. Les notes situées au-dessus et en-dessous d’une portée vous demanderont plus d’entraînement.3. Alterner entre clé de sol et clé de faLes musiciens remarquent durant leurs premiers mois de solfège que la lecture des notes en clé de sol est toujours plus facile que celle en clé de fa. C’est cette clé que nous abordons durant notre parcours scolaire et donc celle qui est mémorisée plus rapidement par tous les élèves. Se forcer à alterner les deux lectures vous permettra de progresser plus rapidement, surtout pour les pianistes qui doivent souvent dédier une clé à chacune de leurs mains. N’hésitez pas à faire également des lectures de notes corrigées ou sous-titrées pour travailler votre mémoire. Certains instruments vous demanderont de maîtriser également la clé d’ut comme le violon par exemple. 4. Solfège, se laisser séduire par la dictée de noteSi vous n’avez pas la chance de prendre des cours de solfège, vous pouvez – et nous vous le conseillons vivement – réaliser vous-même des exercices théoriques chez vous. De la même façon que les dictées nous apprennent l’orthographe, les dictées de note permettent aux musiciens d’écrire la musique en respectant le rythme, de mieux percevoir les intervalles et les sons, mais aussi d’améliorer leur oreille musicale. Vous trouverez sur la toile de nombreux sites d’exercices en ligne. Si vous êtes accompagné par un professeur de musique, vous pouvez tenter d’écrire les notes et rythmes de vos morceaux préférés, et lui proposer de les corriger de temps en temps.5. Progresser en solfège avec les gammes majeures et leurs altérationsLe dièse, le bémol et le bécarre sont les trois types d’altération que l’on retrouve en musique et que vous devrez identifier sur vos partitions. Ils permettent de monter, de baisser une note ou d’effacer l’effet d’une ancienne altération. Il est alors nécessaire de bien connaître les règles d’écriture de ces petits symboles pour savoir à quelle note ils se rapportent exactement. Notez que les altérations constitutives - groupées et situées en tout début de partition, juste après la clé- diffèrent des altérations dites « accidentelles ». Là encore, le travail, la répétition et la mémorisation vous aideront à lire et à intégrer ces notions rapidement.
0 10 astuces pour augmenter sa puissance vocale ...
Vous chantez depuis quelque temps déjà, mais vous avez l’impression que votre voix manque de puissance ? Dès que vous essayez de pousser un peu sur votre voix, c’est un son aigu et pas très harmonieux qui sort de votre bouche ? Bonne nouvelle, la puissance vocale n’est pas innée, c’est quelque chose que l’on acquiert en travaillant régulièrement. Même pour ceux et celles qui ont l’impression d’avoir une petite voix qui porte peu, il est tout à fait possible d’augmenter sa puissance vocale grâce à des exercices et à certaines petites astuces qu’on vous livre sans plus tarder ! Astuce n°1 : Toujours commencer par échauffer sa voixLorsque l’on souhaite se mettre à chanter, il est indispensable de prendre un peu de temps pour échauffer sa voix. Bien s’échauffer permet, comme pour un sportif, de livrer une meilleure performance, et surtout d’éviter de se faire mal. Quand on souhaite gagner en puissance, il ne faut surtout pas essayer de pousser trop fort sa voix, mais au contraire, il faut essayer d’atteindre sa puissance maximale petit à petit, et sans forcer.Pour bien s’échauffer, on commence par se détendre et prendre une bonne posture. On commence à respirer de manière calme en se concentrant sur la respiration ventrale. On place si besoin une main sur son ventre pour mieux sentir sa respiration. On pense aussi à bien relâcher sa mâchoire si elle a tendance à se crisper. Une fois bien détendu, on commence à faire des montées et descentes de gammes, idéalement avec un clavier, autrement, a cappella.Pour travailler les lèvres et la langue qui ont leur rôle à jouer en chant, faire des « brr » en cherchant la vibration s’avère très efficace ! Astuce n°2 : Faire des exercices vocauxQue l’on cherche à travailler sa puissance vocale ou une autre difficulté, chanter indéfiniment le même morceau du début à la fin en espérant que la difficulté s’envole à chaque nouvelle tentative, ne donne malheureusement que de piètres résultats. Afin de surmonter une difficulté et de progresser, il faut faire des exercices spécifiques, efficaces et s’entraîner régulièrement.De nombreux ouvrages ainsi que des vidéos tutoriels proposent des exercices à pratiquer au quotidien pour travailler notamment la résonance. Toutefois, l’idéal est de demander à son professeur de chant des exercices sur-mesure.Astuce n°3 : Travailler sa respiration et pratiquer la relaxationSouvent chez les apprentis chanteurs, l’absence de puissance vocale est liée à un problème de respiration. Bien maîtriser sa respiration est la base du chant, sans quoi bien chanter est très difficile. Pour ceux qui rencontrent des difficultés dans la respiration, la pratique de la relaxation et de la méditation s’avère souvent efficace. Les gyms douces comme le yoga et les Pilates sont basés sur la respiration et leur pratique est complémentaire avec l’apprentissage du chant.Astuce n°4 : S’accorder un temps de repos suffisantPour que les cordes vocales donnent le maximum, il faut qu’elles soient suffisamment reposées. Entre deux concerts ou entre deux répétitions, il faut 7 heures de repos minimum. Un sommeil réparateur est également indispensable pour bien chanter. Évitez de trop forcer après une insomnie ou si vous vous sentez particulièrement fatigué, cela ne servirait à rien et vous risqueriez une bonne extinction de voix.Astuce n°5 : Libérer sa voixNe pas réussir à libérer sa voix a souvent pour conséquence le manque de puissance ! La plupart du temps, il est difficile de libérer sa voix quand certaines zones du corps ont tendance à se crisper et à ne pas être relâchées. C’est notamment le cas de la zone qui se situe à la base de l’arrière du crâne, au niveau de la nuque. C’est une partie du corps que l’on pense rarement à solliciter en chant alors qu’elle est essentielle ! Pour réussir à libérer cette zone, pratiquez avant de chanter, le petit exercice suivant :Faire un « mmh » les lèvres fermées. Le but est qu’il vibre au maximum.Ensuite, pendant le « mmh », jouer avec la position des dents ou de la langueRefaire un « mmh » en faisant des petits cercles du bout du nez sans bouger les épaulesL’exercice peut ensuite se corser en rajoutant des sirènes ou des vocalisesAstuce n°6 : Ne pas avoir peur du ridiculeLa peur d’être ridicule en faisant une fausse note ou en sortant un horrible « couac » empêche certains élèves de chant de se libérer totalement, et donc de livrer toute la puissance vocale qu’ils possèdent. Lorsque l’on apprend à chanter il faut également à réussir à se détacher de ce type de craintes. Faire des fausses notes, cela arrive à tout le monde, même aux plus grands chanteurs ! Certains exercices peuvent également donner l’impression d’être ridicule, mais il faut garder en tête qu’ils sont très efficaces et que vous ne serez pas le premier à passer par là. Pour aider à se libérer, entraînez-vous à répéter devant votre miroir, puis ensuite devant quelques proches en qui vous avez confiance. Progressivement vous prendrez de l’assurance ! Astuce n°7 : Avoir une bonne alimentationMême s’il n’existe aucun aliment miracle qui vous permettra d’accroître soudainement votre puissance vocale, il y a tout de même certains aliments à éviter ou au contraire à favoriser, qui vous donneront un petit coup de pouce toujours bon à prendre !D’une manière générale, il est préférable de boire des boissons alcoolisées avec beaucoup de modération, voire de ne pas en consommer du tout, surtout avant une audition ou un concert important. De la même manière, il est déconseillé de boire de l’eau gazeuse, de consommer des produits laitiers et des plats acides ou épicés avant de chanter. Au contraire, il est recommandé de boire des boissons chaudes comme les tisanes avec un peu de miel, du thym, des crudités, des pâtes et du riz.Astuce n°8 : Bien s’hydraterLe savez-vous ? Lorsque vous buvez de l’eau, les cordes vocales sont le dernier organe à être hydraté, car ce sont les organes vitaux qui reçoivent l’eau les premiers. Il est donc important de boire beaucoup d’eau plusieurs heures avant de chanter et pas uniquement pendant ou après. Faire des inhalations de temps en temps contribue aussi à la bonne hydratation des cordes vocales.Astuce n°9 : Faire la différence entre « forcer sa voix » et « la faire résonner »Lorsque l’on chercher à gagner en puissance vocale, il est indispensable de comprendre que ce n’est pas en forçant sa voix que l’on se rapprochera de l’objectif. Pour développer sa puissance vocale, forcer au maximum sur sa voix ne vous mènera pas bien loin et pourrait même casser votre voix. Pour gagner en puissance vocale, vous devez apprendre à la faire résonner. C’est en travaillant sur les différents résonateurs que l’on développe la puissance.Astuce n°10 : Faire appel à un coach vocal Même s’il est possible de progresser en chant par ses propres moyens, faire appel à un coach vocal vous aidera considérablement à résoudre certains blocages et à dépasser certaines difficultés. En vous entendant chanter, le coach vocal saura immédiatement cibler vos difficultés avec précision et sera en mesure de vous corriger et de vous donner des conseils efficaces pour progresser très rapidement !
0 Bien placer sa voix en chant pour gagner en puissance ...
La voix chantée est aussi naturelle pour certains qu'étrangère pour ceux qui ne l'ont jamais vraiment utilisée. Par crainte de sonner trop lyrique, de laisser échapper des fausses notes, ou pire, d'abîmer leurs cordes vocales, les chanteurs débutants favorisent en première intention le registre de leur voix parlée et se montrent plus inquiets sur la pratique des gammes et des exercices d'échauffement.Pourtant, apprendre à placer sa voix en chant constitue une étape importante pour améliorer sa technique et trouver la tessiture qui lui correspond le mieux. Comme pour tout exercice physique, vous devrez commencer par apprendre à connaitre votre organisme et son fonctionnement avant de vous lancer dans les envolées de Whitney Houston. Placer sa voix, quésaco ?Chanter, cet acte si naturel et pourtant si complexe ! De par le monde, les hommes ne sont pas tous égaux face à la capacité ou non de produire une mélodie agréable. C'est en partie liée à la langue natale elle-même. Si vous parlez l'anglais couramment, vous avez sans doute remarqué que les sonorités de cette langue résonnent plutôt au niveau du visage avec des fréquences très aiguës, entre 2000 et 12 000 Hz, tandis que le français se place majoritairement dans la gorge sur des fréquences inférieures à 2000 Hz. Les anglophones auraient-ils plus de chances de devenir de bons chanteurs ? Peut-être pas, mais ils auront en tous cas plus de facilité à repérer la bonne position pharyngée pour chanter. Certaines personnes présentent des dispositions morphologiques qui leur permettent de chanter naturellement avec une voix bien placée. Cependant, il est primordial de savoir quels mécanismes entrent en jeu pour pouvoir réajuster le placement de la voix, après une maladie par exemple.À quoi ressemble une voix placée ?Pour faire simple, la voix placée est le contraire d'une voix forcée. Elle s'exprime avec légèreté, résonne facilement et donne une impression de souplesse sur toute l'étendue du registre. Sans être poussée, la voix placée offre une puissance satisfaisante qui permet aux chanteurs lyriques de concurrencer les orchestres sans utiliser de micro. Elle atteint les aigus sans effort, et descend facilement dans les graves. Grâce à cette technique, il est beaucoup plus facile de développer la justesse des notes. Une des caractéristiques principales de la voix placée, reconnaissable par le chanteur lui-même, et qui en fait d'ailleurs son avantage, c'est qu'elle se fatigue beaucoup moins vite que si la voix est mal placée. C'est ainsi que les professionnels réussissent à assurer des concerts de plus d'une heure sans subir d'altération de la qualité sonore et surtout, sans risque pour leur santé.Les différentes façons de placer sa voix Le placement de votre voix influe autant sur la qualité du son que sur la durée sur laquelle vous parviendrez à chanter sans aucune douleur. Si au bout d'un quart d'heure des tensions se font sentir au niveau du larynx, c'est certainement que votre voix n'est pas positionnée correctement et vous risquez d'abîmer vos cordes vocales. Un mauvais placement n'est heureusement pas une fatalité, et ne conditionne en aucun cas votre capacité à devenir un bon chanteur. Voici les quatre placements que vous pouvez distinguer dans le chant.La voix de gorge ou voix gutturale Elle se retrouve fréquemment chez les débutants, notamment dans la langue française, car comme vous l'avez compris en introduction, celle-ci utilise une fréquence moyenne qui place le larynx dans une position medium, et contribue à bloquer l'accès à des fréquences aiguës. La voix de gorge s'identifie par une impression de haut perché, de sonorité enfantine ou criarde qui semble coincée quelque part au fond de la bouche. Elle est peu naturelle à l'écoute, et manque singulièrement de coffre et de résonance. Si vous avez besoin d'ouvrir démesurément la bouche lorsque vous chantez pour atteindre certaines notes, votre placement est certainement situé en voix de gorge.La voix de nez ou voix nasale Essayez d'imiter une chanteuse de jazz langoureuse, traînez sur les consonnes nasillardes telles que le "m" ou le "n" : ça y est, vous entendez et sentez les vibrations qui se répercutent dans la cavité nasale ? La voix de nez manque clairement de spontané, pire, elle est désagréable à entendre sur tout un morceau. Elle peut servir d'effet ponctuel, mais ne doit en aucun cas constituer l'essentiel de votre technique.La voix de ventre, voix de poitrine ou voix ventrale La voix ventrale, plus fréquemment appelée voix de poitrine, est celle qui se rapproche le plus de la voix parlée. Elle est naturelle, ample, souple, et possède une bonne résonance. Lorsque l'on parle de voix placée, il s'agit généralement de cette dernière qui offre une sonorité personnelle, votre vraie voix en somme. Aussi agile dans les aigus que dans les graves, la voix de poitrine est idéale pour interpréter la majorité des morceaux qui composent le registre de variété, et ne présentent pas de difficulté particulière. En revanche, le registre lyrique et certains passages particulièrement aigus nécessiteront le recours aux quatrièmes types de placement de voix. Lorsque vous utilisez la voix de poitrine, le larynx se place en position basse, dite de repos. Il ne comprime pas les cordes vocales et permet une vibration ample et maîtrisée. Ces vibrations sont amplifiées au niveau du visage, dans le "masque", autrement dit les récepteurs que constituent les différentes cavités buccales, nasales et cervicales. Et la voix de tête, alors ?Un peu à part dans ce classement, la voix de tête mérite un article à elle toute seule. Elle n'est pas plus juste ou plus fausse que la voix de poitrine, mais doit être considérée comme un complément qui permet d'enrichir la tessiture de l'artiste. Le maître mot de la voix de tête, c'est la légèreté. La gorge doit être parfaitement détendue, pour que les vibrations se produisent harmonieusement sur les notes les plus aiguës.Exercices pratiques pour le placement de la voix chantée La position idéale pour chanter Avant de commencer un cours de chant, il faut déjà trouver la bonne position de départ. De celle-ci dépendra le confort du chanteur d'une part, et la qualité du son d'autre part. Debout, abaissez vos épaules et faites-les tourner dans un sens puis dans l'autre. Continuez par le cou et la nuque en hochant doucement la tête. Ouvrez grand votre mâchoire comme pour bâiller-bâillez, si vous en avez envie !- puis emplissez vos joues d'air et dégonflez-les. La tête se tient droite, le regard porté vers l'avant, les pieds écartés à largeur de vos hanches. Vous devez être à la fois complètement détendu et bien stable.Échauffement de la voix Ce conseil, répété et répété, ne perd pour autant pas son sens. La voix s'appuie sur une quantité de muscles qui nécessitent d'être échauffés avant de pouvoir produire le maximum de leur effet. Il est d'ailleurs conseillé de ne pas chanter dans les deux heures suivant le lever, le temps que le corps se réchauffe. Par temps froid, doublez votre temps d'échauffement. Les traditionnelles vocalises s'effectuent d'abord bouche fermée en humming (sur le son "hmm"), en commençant par les notes les plus accessibles puis en montant progressivement. Recommencez ensuite sur des voyelles, puis sur des consonnes.Les exercices pour trouver le bon placement de voix Rien de tel que d'avoir à disposition un bon professeur qui dispense des cours de chant : non seulement vous apprendrez à corriger vos mauvaises habitudes, mais il vous fournira également des pistes pour continuer votre entraînement en toute sécurité pour votre voix. À défaut, voici quelques pistes pour repérer le positionnement adéquat au bon placement de la voix.Chanter sur le ton de la parole : commencez par parler, puis essayez d'intégrer des mots chantés, continuez ensuite sur une chansonAllongez-vous et respirez avec le ventre pour bien ressentir la juste position du diaphragmeTrouver la position du larynx : touchez votre pomme d’Adam en déglutissant, la position idéale du larynx est celle qu'il prend à la fin de la déglutition, bas et relâchéBoucher son nez : chantez ou parlez le nez bouché, vous allez ressentir les vibrations dans la cavité nasale et le son ne sera pas projeté. Au contraire, si vous parvenez à diriger les vibrations vers le crâne, la résonance augmente et vous trouvez la bonne position pour poser votre voix Les différentes techniques pour appréhender le bon placement de la voix s'appuient sur l'idée de mobiliser les résonateurs placés à l'arrière de la gorge, afin de projeter la voix : cette pratique s’appelle la spatialisation du son. Ainsi, vous obtiendrez du coffre sans jamais forcer et le chant sera agréable sur la majorité de l'étendue de votre tessiture. L'importance du placement de la langue en chantantEn parlant de placement de voix, il faut également évoquer la position de la langue qui peut anéantir tout le travail effectué. Pour utiliser au maximum les résonateurs faciaux et le fameux masque du haut du visage, la langue doit se placer à plat dans la bouche, proche des dents inférieures. Si la langue se place trop haut, elle bloque la transmission des vibrations et étouffe une partie du son. Ce défaut survient souvent lorsque le chanteur est trop tendu, la langue étant alors maintenue rigide par sa racine. Pour délier la langue, rien de tel que de pratiquer toutes sortes de grimaces et bruits buccaux.Faites le poissonEnvoyez des bisous, des petits rapides, des longs insistants...Imitez le chien qui halèteFaites du bruit avec vos lèvres comme un moteur qui vibreTirez la langue puis ramenez-la au reposN'ayez pas peur du ridicule, tout est bon pour avoir la langue détendue ! Pensez également à ne pas la ramener trop vers l'arrière de la gorge, au contraire, elle doit frôler les incisives à l'avant de la bouche.Comment maîtriser sa voix sur toute sa tessiture ? Petit rappel : la tessiture de la voix constitue l'ensemble des notes qu'elle peut atteindre de façon homogène, de la plus grave à la plus aiguë. Cette tessiture n'est pas figée et peut s'améliorer, même si cette caractéristique permet de différencier les chanteurs. La soprano aura une tessiture large et aiguë, tandis que la mezzo atteindra facilement les notes plus graves, etc. La difficulté en chant consiste à passer d'une voix de poitrine, utilisée pour les notes plus graves ou medium, à une voix de tête, qui permet des envolées aiguës aériennes. Il existe des techniques pour appréhender cette transition, mais il faut avant tout bien maîtriser le placement de sa voix dans l'un et dans l'autre registre. Chanter aigu pour un homme, ou a contrario grave pour une femme, peut sembler dérangeant, surtout si la voix parlée ne correspond pas à la voix chantée. Une étape importante dans le chant consiste à accepter sa propre voix sans chercher à imiter des timbres entendus. En effet, vous n'êtes, d'une part, pas certain que le timbre en question soit bien placé, d'autre part, il ne correspondra jamais entièrement au vôtre qui est par définition unique. La voix représente la personne que vous êtes, la nier serait nier votre propre personnalité. Plutôt que de vouloir reproduire à l'identique une chanson, donnez-lui votre propre touche qui vous permettra d'être à l'aise avec le morceau tout en vous faisant plaisir. Quelques idées pour travailler autrement un morceau qui vous pose problème :Changez la tonalité en augmentant ou abaissant la note de départModifiez le rythme ou la vitesse si vous avez du mal à suivreAjustez la prononciation (certaines voyelles sont plus faciles à chanter dans les aigus, Le « i » lyrique devient presque un u par exemple)Essayez de ne pas penser à la version originale, mais à un souvenir qui vous est personnel, que vous voulez exprimerPour finir...Gagner en intensité et en volume sonore, telle est la promesse que vous offre une voix bien placée, en plus de préserver la santé de vos cordes vocales. En plaçant votre voix correctement, vous pourrez interpréter facilement des morceaux correspondant à votre tessiture et travailler la justesse de vos phrasés. Vous avez donc tout à y gagner !
