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0 Top 10 des défauts des apprentis pianistes ...
Même avec toute la bonne volonté du monde, débuter au piano n’est jamais facile : quand on commence à se familiariser avec l’instrument, on développe certaines mauvaises habitudes qu’il faut combattre. Quels sont les principaux défauts des apprentis pianistes ? Comment mieux les surmonter pour progresser plus vite ? 1. Le stress et les doigts crispésLe stress ne fait jamais bon ménage avec la musique : si l’on joue sans être détendu, cela se ressent forcément. Les petits pianistes débutants, souvent crispés, ont tendance à lever leurs doigts et les éloigner du clavier, alors qu’ils devraient glisser délicatement sur les touches. Pour corriger cela, il suffit de prendre confiance et de se calmer, notamment en travaillant la respiration.2. Les départs précipitésAvant de lancer la première note, il faut être véritablement prêt. Les néophytes foncent parfois la tête baissée et commencent à jouer trop tôt, ce qui les place sur une mauvaise lancée. Idéalement, on prend bien sa respiration, on patiente quelques secondes si nécessaire, et l'on part sur de bonnes bases?!3. Les accélérationsEncore une fois, le stress est bien souvent responsable d’une rythmique accélérée : il n’est pas simple de garder le bon tempo quand on a peu d’expérience. Des outils existent pour conserver ses repères, comme le métronome ou l’usage d’un playback de batterie en arrière-plan.4. La mauvaise postureBien s’asseoir devant son piano est primordial. La position idéale permet d’accéder simplement à toutes les touches, pour une maîtrise totale du jeu. Le dos doit également être bien redressé. Un bon professeur de piano expliquera toujours à ses élèves comment bien s’installer avant de débuter la leçon.5. La mauvaise position des doigtsSi les doigts ne sont pas engagés de la bonne façon sur le clavier, le pianiste débutant ne se donne pas toutes les chances de réussir. Toutefois, les enseignants ne préconisent pas tous les mêmes usages : certains conseillent d’arquer légèrement les doigts, d’autres préfèrent une position totalement à l’horizontale. Mais en France, la position arquée est dominante.6. La gestion de la respirationFocalisé sur la technique, les notes et la rythmique, le pianiste qui apprend à maîtriser son instrument en oublie souvent de bien gérer sa respiration. Pourtant, cet aspect est essentiel. En effet, pour que l’enchaînement entre chaque note soit totalement fluide, le musicien doit aussi respirer correctement, d’une façon sereine. 7. Brûler l’étape du travail des mains séparéesAu piano, il faut être capable de jouer deux choses différentes avec chaque main. Naturellement, le corps travaille de façon symétrique : cette dynamique demande donc un véritable effort à l’apprenti pianiste. Pour jouer un nouveau morceau, il faut toujours procéder par mains séparées : commencer par s'entraîner avec la main droite, par exemple, puis enchaîner sur la main gauche lorsque la première est maîtrisée. Sans apprendre chaque processus indépendamment, on ne parviendra pas à réussir l’association, surtout quand on débute?!8. Oublier les nuancesDans une partition de musique, plusieurs indications font écho aux nuances : mf, p, pp ou encore f. Il existe aussi des signes pour le crescendo ou le decrescendo. Il ne faut pas se contenter d’enchaîner les notes sans lire ces indications. Elles permettent de donner vie au morceau et de lui apporter une véritable touche d’émotion.9. Manquer de précisionQuand on commence un instrument, on a envie d’apprendre de nombreux morceaux, de varier les plaisirs. Mais il faut savoir que très souvent, à raison d’un cours hebdomadaire par exemple, on passe facilement un mois sur le même morceau. Il est important de poursuivre sur une même mélodie car, à vouloir en apprendre trop d’un coup, on joue sans précision, et cela ne permet pas de progresser.10. Stopper après une fauteQuoi de plus normal que de faire une faute quand on apprend le piano ? Il ne faut pas se démotiver et stopper ou arrêter pour recommencer. Certains professeurs peuvent demander de reprendre depuis le début si l’élève semble vraiment mal lancé, mais il ne faut pas tout arrêter de sa propre initiative pour une simple note mal jouée.
0 6 habitudes à avoir pour apprendre la guitare et s'améliorer ...
Ces 6 préceptes tu suivras et un bon guitariste tu deviendrasVous souhaitez apprendre la guitare ou devenir un meilleur guitariste ? Pour cela, commencez par revoir vos bases car on ne construit rien sur des fondations bancales ! Voici donc les 6 habitudes que tous les apprentis guitaristes devraient prendre ! 1- Guitariste, un métronome tu utiliserasPour perfectionner vitesse et sens du rythme, la première chose à faire c’est de vous entraîner avec un métronome. Cela vous permettra de jouer n’importe quel riff, plan ou chanson à la vitesse que vous souhaitez. Maîtriser son tempo est également indispensable pour tous ceux qui rêvent un jour d’enregistrer leurs morceaux en studio. Enfin, utiliser un métronome c’est l’assurance d’avoir le bon rythme sur votre chanson préférée dès le début et de ne pas avoir à corriger une mauvaise habitude de jeu plus tard. 2- Guitariste, à heures fixes tu t’entrainerasLa constance est la clé du progrès. Comme la morale de la célèbre fable de La Fontaine nous l’a appris « Rien ne sert de courir, il faut partir à point ». Ce n’est pas en pratiquant 6 heures aujourd’hui et en ne faisant rien le reste de la semaine que votre entrainement sera efficace. Mieux vaut étaler ces 6 heures sur la semaine entière. Idéaliste ? Peut-être ! Mais il est important de pouvoir suivre un planning de répétitions hebdomadaire même si un imprévu viendra parfois le bousculer.Gardez bien à l’esprit, qu’un petit peu de travail tous les jours vaut mieux que beaucoup de travail de temps en temps. 3- Guitariste, les autres tu écouteras jouerL’écoute active, c’est ce qui fait la différence entre un simple gratteur de cordes et un excellent guitariste. Ceux qui oublient d’écouter les autres ont tendance à surjouer et empiéter sur les autres musiciens dans un groupe.De plus, si vous êtes blasés de n’écouter jouer que votre ami Paul, renouez avec votre curiosité naturelle et allez écouter d’autres styles de musique. Soyez audacieux ! Et n’oubliez pas d’écouter activement en analysant différentes techniques de jeu, c’est un excellent moyen pour entraîner son oreille musicale et donc de pouvoir rejouer ses morceaux préférés à l’oreille. 4- Guitariste, les autres tu observerasL’observation va de pair avec l’écoute. Si le fait d'entendre jouer les autres a ses avantages, les regarder apporte d’importants éléments que vous n’auriez pu remarquer autrement. Dans notre ère du numérique, vous pouvez trouver des centaines de milliers de vidéos de guitaristes jouant leurs morceaux en à peine quelques clics. Alors n’hésitez pas à tirer profit de cette incroyable mine d’informations ! 5- Guitariste, tes faiblesses tu identifieras et toi-même tu défierasDevenir un bon guitariste nécessite de savoir critiquer son propre jeu, d’identifier ses faiblesses. Si un intervalle ou un changement de cordes vous pose problème, exercez-vous pour surmonter cette difficulté. Il faut sans cesse vous mettre au défi sinon vous risquez de stagner pendant longtemps. Et même si vous atteindrez forcément une phase de plateau, il ne tient qu’à vous de travailler pour la dépasser et progresser.6- Guitariste, une routine tu suivrasIl convient parfois de laisser de côté la partie créative pour se focaliser sur une approche strictement mécanique qui travaillera les aspects techniques de votre jeu. Mettre en place une routine à travailler quotidiennement peut être une bonne solution. Par exemple :AccordsGammesArpègesTechniques de solosDevenir plus familier des aspects techniques sera un atout pour composer ou tout simplement être à l’aise sur tous types de morceaux. Pratiquez un peu chaque jour et vous progresserez lentement mais surement !
0 Top 10 des erreurs du chanteur débutant ...
Comme tout instrument de musique, l’apprentissage du chant se fait étape par étape. Certains auront plus de facilités que d’autres lors des premiers cours, cependant la plupart des élèves débutants commettent globalement les mêmes erreurs. Ces erreurs se corrigent avec de l’entraînement, de la détermination et grâce aux conseils avisés d’ un professeur de chant ou d’un coach vocal. Voici donc les 10 erreurs les plus répandues chez les débutants, et bien sûr comment réussir à les corriger une bonne fois pour toutes ! N°1 Chanter sans plaisirOn ne le dira jamais assez, mais faire de la musique doit avant tout être un plaisir. Chanter sans prendre de plaisir est un frein pour progresser. L’instrumentiste, comme le chanteur, doit créer de l’émotion qu’il fera ressentir à son public grâce à sa musique. Prendre du plaisir à chanter est essentiel pour vous comme pour les autres. Si vous ne parvenez pas à vous épanouir en chantant, posez-vous quelques questions. Aimez-vous vraiment chanter ou bien préférez-vous plutôt jouer du piano ou de la guitare ? Ressentez-vous un blocage lié à de la timidité ou un manque de confiance en vous ? Si vous prenez des cours avec un professeur de chant n’hésitez pas à lui faire part de votre ressenti. Il saura vous aiguiller dans la bonne direction.N°2 Se comparer aux autresQuand on débute le chant, nous aimerions tous savoir rapidement chanter, et devenir un chanteur de talent. Or, même les plus grands chanteurs de la planète ne le sont pas devenus en 24 heures. De très nombreuses heures de répétition pendant des mois, voire des années sont à l’origine de leurs prestations époustouflantes. Il est donc inutile de se comparer à Céline Dion ou encore à Justin Timberlake dès le deuxième cours, car cela ne mènerait qu’à de la dévalorisation et une perte d’assurance certaine.De la même manière, contrairement aux instruments de musique comme le piano par exemple, dont le son est plus ou moins identique - avec quelques subtilités dans la tonalité selon les modèles -, chaque voix est unique. Certaines sont plus graves, d’autres plus aigus et il existe une multitude de tessitures. Une voix ténor et une voix soprano ne sont donc pas comparables. Elles ont chacune leurs caractéristiques et leurs atouts.N°3 Avoir peur du regard des autresLa peur du regard d’autrui est très fréquente lors que l’on commence le chant. La crainte de faire des fausses notes et des erreurs peut même parfois être bloquante et empêcher de chanter correctement, voire de chanter tout court. Cette crainte est normale, mais elle disparaît généralement au bout d’un certain temps, lorsque l’on commence à prendre de l’assurance et à gagner en confiance en soi. Si le regard des autres vous pose trop de problèmes, il y a des solutions pour y remédier. Entraînez-vous à chanter et surtout à répéter devant votre famille, et élargissez ensuite le cercle avec vos amis proches puis des amis moins proches. À forcer de chanter devant autrui vous prendrez l’habitude d’être entendu par un public et le regard des autres sera moins oppressant. N'hésitez pas à participer à des scènes ouvertes ou a des petits concerts locaux. Cela sera un bon entraînement pour vos futurs auditions ou concerts !N°4 : Se trouver une excuse pour ne pas se lancerIl n’est pas rare d’entendre « j’ai toujours voulu être chanteur, mais je suis trop timide » ou « j’aimerais bien apprendre de chanter, mais je n’ai pas une belle voix ». Toutes les excuses sont bonnes pour ne pas faire le premier pas et pourtant vous avez toutes les bonnes raisons de vous lancer. Si vous souhaitez vraiment apprendre à chanter, gardez à l'esprit que cela est possible. Chanter, cela s’apprend et tout le monde peut y arriver, quel que soit son âge, son parcours ou son niveau. Même si vous n’aimez pas votre voix, en prenant des cours de chant vous apprendrez comment la sublimer, et comment en faire quelque chose de puissant et harmonieux. Tout le monde peut chanter et vous aussi.N°5 Rechercher à tout prix la complexitéLorsque l’on commence tout juste le chant, il faut chercher à faire simple et bien. L’apprentissage du chant doit se faire progressivement. Commencez par jouer des morceaux qui correspondent à votre niveau et à votre voix. Au début l’idée n’est pas de réaliser une prouesse musicale, mais de chanter juste en gérant bien sa respiration. Mieux vaut donc bien chanter des morceaux accessibles plutôt que se casser la voix sur des morceaux plus compliqués. N°6 Forcer sa voixUne erreur classique des débutants c’est de vouloir forcer sa voix pour atteindre certaines notes et pour essayer de gagner en puissance vocale. Or, en chant il ne faut en aucun cas forcer sur sa voix, car vous pourriez vous faire mal. Si vous ne parvenez pas à atteindre certaines notes hautes ou basses alors il faut vous entraîner autrement. C’est en faisant des vocalises, des exercices de respiration et en travaillant votre vibrato que vous réussirez petit à petit à augmenter vos capacités vocales.Vous souhaitez gagnez en puissance vocale ? Découvrez notre article sur le sujetN°7 Perdre ses moyensLors des premiers cours de chant il arrive qu’avec le manque d’assurance certains élèves perdent leurs moyens quand il s’agit de chanter ou de passer une audition. Dans ces cas-là, le mieux est de ne pas se mettre la pression et essayer de se calmer en faisant des exercices de respiration. Pour les personnes stressées, il est souvent conseillé de pratiquer de la relaxation ou du yoga en complément des cours de chant. Cela vous fera travailler votre respiration et vous aidera à garder votre sang-froid.N°8 Oublier de respirerUne des premières difficultés du chant est la respiration. Savoir bien respirer s’apprend afin d’optimiser sa puissance vocale. Or certains débutants ont tendance à retenir leur souffle, ce qui les empêche de terminer une gamme ou de chanter certains morceaux. Pour y remédier, la solution est de faire des exercices de respiration régulièrement. Si vous avez un professeur de chant, n’hésitez pas à lui demander des exercices supplémentaires pour travailler chez vous un peu chaque jour votre respiration. Accordez-vous un moment pendant 15 à 20 minutes, à un moment de la journée où vous ne serez pas dérangé. Pratiquez les exercices, en faisant attention d'être détendu et relâché. Petit à petit pour sentirez que vous parviendrez à mieux gérer votre respiration et à atteindre plus de notes en ayant l’impression de faire moins d’efforts.N°9 Essayer d’imiter un chanteurComme nous l’avons vu dans le point n°2, chaque voix est unique et chaque chanteur possède sa propre personnalité. Chanter, c’est s’exprimer artistiquement, musicalement, c’est transmettre une part de soi, de son vécu, c’est partager quelque chose qui vous appartient. Lorsque vous interprétez la chanson d’un autre artiste, l’idée est de se la réapproprier et d’en faire quelque chose de personnel et de différent, d'en livrer votre interprétation. Essayer de reproduire une chanson à l’identique est difficile, surtout lorsque sa voix est très différente de la version originale. De plus cela n’a que peu d’intérêt pour vous comme pour votre public.N°10 Ne pas chanter dans la bonne tonalitéAvant de se lancer dans des morceaux de chants de manière un peu hasardeuse, il est indispensable de trouver la tonalité de votre voix pour ensuite trouver des morceaux adaptés. Dans un premier temps, déterminez votre intervalle vocal, c’est-à-dire les intervalles d’octaves les plus hauts et les plus bas dans lesquels vous pouvez chanter. Pour ce faire, commencez par la note la plus basse que vous pouvez produire et montez ensuite progressivement jusqu’à atteindre la note la plus haute possible. Attention à bien vous échauffer la voix avant de faire cet exercice. Vous pourrez ensuite déterminer si vous êtes soprano, mezzo-soprano, alto, contre-ténor, ténor, baryton ou basse. Cherchez ensuite votre tessiture, c’est-à-dire les notes avec lesquelles vous êtes le plus à l’aise. Avec du travail, vous pourrez élargir votre intervalle vocal, mais cela viendra progressivement et en répétant régulièrement.
0 Portrait de violoniste : Lindsey Stirling ...
Qui est Lindsey StirlingAprès une formation classique, l’adolescente Lindsey Stirling s’ouvre à un style plus rock and roll, loin de récolter tous les suffrages. Après une première déconvenue lors de l’émission America’s Got Talent (saison 5), elle persiste sur cette voie, radicalement différente, et profite d’Internet pour se faire connaître. Aujourd’hui, la violoniste vient de sortir son 5ealbum (6 septembre 2019), compte de nombreuses récompenses et collaborations. Retour sur un parcours semé d’embûches, mais guidé par une persévérance et une ligne de conduite immuables.Une formation classique dès l’âge de 6 ansNée à Santa Ana, dans le comté d’Orange en Californie, en 1986, Lindsey Stirling est bercée au rythme de la musique classique, largement écoutée par ses parents. Irrémédiablement attirée par cet instrument, elle suit ses premiers cours de violon dès l’âge de 6 ans et poursuivra une formation classique pendant une dizaine d’années.Au cours de son adolescence, elle rejoint un groupe de rock, baptisé « Stomp on Melvin », composé de 4 de ses meilleurs amis. Cette période sera propice à la création de ses premières compositions – et notamment un solo de violon rock, récompensé par deux titres au Arizona’s Jr. Miss.Une violoniste au style radicalement différentEn 2010, Lindsey Stirling se présente à la 5e saison de America’s Got Talent où elle atteint les quarts de finale. Malgré cette belle performance, le jury de l’émission emploie des mots durs à l’encontre de la violoniste hip-hop : « Vous n'êtes pas sans talent, mais vous n'êtes pas assez douée pour vous en sortir en virevoltant dans les airs et en essayant de jouer du violon en même temps » (Piers Morgan) ou encore « Vous devriez être dans un groupe… Ce que vous faites n'est pas suffisant pour remplir une salle à Las Vegas » (Sharon Osbourne).1Profondément blessée, la jeune musicienne, alors âgée de 23 ans, décide néanmoins de persévérer dans cette voie, certes atypique, mais qui reste fidèle à sa manière d’être. Régulièrement jugée « invendable », elle utilise sa notoriété, acquise sur l’émission de télévision, pour se faire connaître par le biais d’Internet. Enfin, la reconnaissance mondiale !À force de persévérance et de travail, ses vidéos sont visionnées par des dizaines de millions d’internautes sur YouTube.Entre 2011 et 2017, la violoniste multiplie les collaborations marquantes avec d’autres artistes de divers horizons. De magnifiques reprises comme celle de « Radioactive » d’Imagine Dragons, avec Pentatonix (récompensée aux YouTube Music Awards), celle du titre « Hallelujah » de Leonard Cohen, avec Joy Enriquez ou encore celle de Queen « The Show Must Go On » réalisée avec Céline Dion. Mais aussi des titres originaux, comme « Sounds Like Heaven » avec Marina Kaye ou « Hi-Lo » avec le groupe de métal Evanescence…Parallèlement, elle réalise plusieurs tournées : la première en Amérique du Nord au cours de l’année 2012, avant d’étendre ses spectacles à l’Europe en 2013… Au fil des années, Lindsey Stirling continue de sortir des albums (2012 « Lindsey Stirling », 2014 « Shatter Me », 2016 « Brave Enough », 2017 « Warmer in the Winter » et 2019 « Artemis »).Enfin reconnue à l’échelle mondiale, Lindsey Stirling est une musicienne qui a su, à force de persévérance et de travail, bouleverser les codes dressés autour de la pratique du violon. Au-delà des traditionnelles interprétations d’œuvres classiques, il peut s’inviter dans d’autres univers musicaux et s’adresser ainsi, à un plus large public. À l’image de Lindsey, n’hésitez pas à composer votre propre morceau et à façonner votre propre voie.
0 Top 10 des défauts des guitaristes débutants ...
Lorsque l’on débute la guitare, ou tout autre instrument de musique, on commet généralement des erreurs, ce qui est bien normal, car jouer de la guitare n’est pas une capacité innée. C’est un savoir-faire qui s’acquiert au fil du temps, à force de travail et de répétition. Pour progresser, la méthode la plus efficace est d’identifier ses faiblesses et ses erreurs afin de tout mettre en œuvre pour les corriger. Nous faisons le point sur les erreurs récurrentes des guitaristes débutants et sur les astuces à mettre en pratique pour réussir à les surmonter ! #1 Ne pas être accordéJouer sur une guitare bien accordée est indispensable dès l’apprentissage des premiers accords. Or, de nombreux apprentis guitaristes ont trop souvent l’habitude de jouer sur des guitares accordées de manière très approximative, voire totalement fausse. Outre le côté désagréable pour les oreilles d’autrui, jouer sur une guitare désaccordée fausse l’oreille de l’apprenti musicien. En effet, l’oreille musicale est généralement quelque chose qui s’acquiert au fil du temps, en écoutant et en jouant, mais aussi en travaillant des exercices comme des dictées de notes par exemple. Jouer sur une guitare qui sonne faux, c’est induire son oreille en erreur, et lui apprendre dès le départ des mauvaises sonorités. Avec le temps l’oreille musicale sera donc faussée et il sera beaucoup plus difficile d’intégrer les « bonnes » sonorités. Avant de commencer à jouer, il est donc nécessaire de prendre le temps qu’il faut pour accorder sa guitare. Pour ceux qui ont du mal à trouver le bon accordage, vous pouvez utiliser un accordeur électronique qui vous sera d’une aide précieuse. Aujourd’hui, plusieurs applications mobiles gratuites proposent des accordeurs plutôt efficaces.#2 Ne pas s’échaufferLorsque l’on débute la guitare, on est souvent pressé de réussir à jouer les morceaux qu’on a en tête, au point de sauter certaines étapes comme l’échauffement. S’échauffer avant chaque répétition est pourtant fortement conseillé à tous les guitaristes. Comme pour les sportifs, s’échauffer permet certes d’éviter tout risque de blessure aux doigts, mais permet également de se mettre en bonne condition pour jouer. Jouer avec des « doigts chauds » c’est jouer plus efficacement.#3 Jouer trop viteJouer trop vite ou vouloir sans cesse accélérer son jeu est une des erreurs classiques chez les apprentis guitaristes. Jouer trop vite quitte à faire des erreurs, cela ne sert à rien et favorise la prise de mauvaises habitudes. En jouant trop vite, respecter les notes, le rythme et les bons mouvements devient très difficile, surtout lorsque jouer de la guitare est encore tout nouveau ! L’objectif à atteindre lorsque l’on interprète un morceau, ce n’est pas de détenir le record de rapidité, mais de jouer le plus justement possible et de transmettre des émotions. Les guitaristes débutants ne doivent donc pas avoir peur de jouer lentement, aussi lentement que nécessaire, afin de décrypter le morceau et d’en saisir toutes les petites subtilités pour mieux les restituer en suite. Une fois le morceau maîtrisé il sera alors possible d’accélérer progressivement la cadence, sans pour autant dépasser le tempo de référence. #4 Négliger le rythmeBeaucoup d’élèves en guitare ont tendance à se focaliser sur les notes et sur les accords. C’est une très bonne chose ! L’erreur est de se focaliser sur la mélodie au détriment du rythme. Le rythme est aussi important que la mélodie. Jouer des notes justes sur un mauvais rythme, c’est comme jouer 50% du morceau. Le rythme c’est ce qui donne de la structure et du relief à la mélodie. Il est donc essentiel et ne doit être négligé sous aucun prétexte. Il arrive qu’au début, conserver un rythme régulier tout au long du morceau soit un cauchemar pour certains guitaristes. Et pourtant, il existe de nombreux moyens de se familiariser avec les rythmes les plus complexes en pratiquant au quotidien quelques petite exercices spécifiques. A noter que certains exercices peuvent se pratiquer sans guitare. N’hésitez pas à demander à votre professeur de guitare des exercices sur mesure ou bien à faire l’acquisition d’un ouvrage sur le sujet.#5 Négliger les petites erreursEn tant que débutant, l’objectif est souvent de réussir à jouer un morceau en entier, et d’arriver au bout coût que coût. Or en procédant de la sorte, on néglige souvent des petites erreurs que l’on n’identifie même plus, comme une pause trop longue, une note brève qui sonne mal, etc. C’est en continuant à jouer ainsi que les mauvaises habitudes se prennent et deviennent par la suite difficiles à corriger. Pour y remédier, il faut privilégier la qualité du morceau et le découper mesure par mesure. Portez toute votre attention sur les notes et le rythme et à la moindre fausseté, arrêtez-vous, et travaillez uniquement enchaînement d’accords qui n’était pas juste, jusqu’à le maîtriser à la perfection. En procédant ainsi, même si vous aurez l’impression de mettre plus de temps à jouer un morceau, mais vous progresserez plus vite et surtout vous jouerez mieux. #6 Fuir la théorie musicaleLa théorie musicale n’est pas forcément indispensable dès les premiers cours de guitare, mais cela n’est pas pour autant qu’il faut lui tourner le dos. Nombreux sont les débutants à fuir la théorie musicale pour de mauvaises raisons comme l’appréhension ou l’idée que cela est totalement inutile. Apprendre un peu de théorie musicale n’a pourtant que des effets positifs ! Cela vous aidera à progresser et à comprendre plus facilement certains aspects de la musique.#7 Se disperser sur InternetInternet est un outil formidable sur lequel on trouve beaucoup de choses et parfois trop. Visionner des vidéos, lire des articles sur l’apprentissage de la guitare, cela est très positif. Cependant le danger réside dans la quantité d’information que l’on peut trouver. Par exemple, certains guitaristes vont passer beaucoup de temps sur Internet à lire ou à regarder sans pratiquer, ou bien en essayant un morceau pendant quelques heures seulement avant de passer au suivant, suite au visionnage d’un nouveau tutoriel, et ainsi de suite. Pour progresser en guitare, mieux vaut sélectionner quelques éléments et les travailler à fond avant de passer aux suivantes. Cela vous évitera de vous éparpiller et vous fera progresser plus vite.#8 Ne pas s’entraîner régulièrementCertains apprentis guitaristes ont tendance à jouer uniquement quand l’envie les prend. Or, pour véritablement apprendre à jouer de la guitare, il faut jouer de manière régulière, un peu chaque jour si possible. Lorsque l’on ne joue pas régulièrement, il est difficile de se voir progresser et cela conduit souvent au découragement et à l’envie de renoncer. Pourtant, il suffit de travailler au moins 20 minutes chaque jour pour pouvoir commencer à faire des progrès !#9 Ne pas s’écouter jouerÀ force de trop se focaliser sur ses doigts et sur ses mouvements, l’erreur courante est de ne plus s’entendre jouer. Et pourtant, s’écouter jouer est essentiel pour travailler son oreille et pour nuancer un morceau. S’écouter jouer permet aussi de se rendre compte de ses faiblesses et de corriger certaines erreurs. Lorsque vous jouez, n’hésitez pas à vous enregistrer et ensuite à vous écouter plusieurs fois en notant tous les points à améliorer.#10 Douter de soiLe doute est l’erreur la plus répandue chez les débutants, mais pas uniquement. Des doutes et une perte de confiance en soi peuvent intervenir tout au long de son apprentissage de la guitare. C’est un phénomène normal, car dans tout apprentissage il y a des moments de forte progression et des moments où l’on a l’impression de stagner, voire régresser. C’est dans ces moments-là qu’il faut fournir le plus d’efforts et ne pas se décourager, car, une fois ces doutes surmontés, le plaisir de jouer vaut bien tous les efforts fournis.
Qu'est-ce que le chant ?Le chant représente l'ensemble de la production de sons musicaux à l'aide de la voix. La personne qui produit le chant est appelée chanteur. Le fait de chanter résulte de l'action du souffle, en effet l'air est expulsé des poumons par l'action du diaphragme, comme pour une expiration normale et fait vibrer les cordes vocales. Le son ainsi produit est ensuite amplifié par le nez, sinus... et articulé par la langue et les lèvres pour former des syllabes. Quelle position pour le chanteur?Le chant fait appel à toutes les ressources du corps humain. Le système respiratoire est bien sur utilisé, mais aussi beaucoup de muscles aux fonctions les plus diverses, ceux du ventre, du dos, du cou, du visage. On parle souvent d'un entraînement musical mais aussi d'un entraînement sportif, car, pour faciliter le travail il faut surveiller sa posture et donc tous les muscles de son corps. Il est important que la cage thoracique soit ouverte, les épaules rejetées en arrière et la colonne vertébrale bien droite. Mais comme un entrainement sportif, le chant exige une bonne hygiène de vie, bien se nourrir, faire de l'exercice, éviter le tabac, les excès d'alcool... pour faire des progrès et les maintenir. L'interprétation :Chanter ce n'est pas seulement se servir de sa voix et de son corps, c'est aussi interpréter, faire partager au public les émotions contenues dans le texte, c'est en cela que, en fonction des genres musicaux sollicités, le chant rejoint fréquemment l'art de la scène. En musique classique par exemple, la voix est souvent utilisée comme un instrument de musique à part entière. Depuis plusieurs siècles, le chant classique a inspiré de nombreux compositeurs qui lui ont dédié divers genres musicaux : chansons polyphoniques, messes, motets, chorals, cantates, opéras, oratorios, mélodies, etc. L'interprétation est une étape inévitable afin de vivre et de ressentir des textes souvent très particuliers. Mais l'interprétation trouve aussi une grande importance dans les musiques actuelles notamment dans la variété ou dans des musiques très vivantes comme le blues, le jazz ou encore le flamenco. La manière de faire passer les émotions, de ressentir la musique et le texte permet à l'interprète de retranscrire avec son corps et ses mouvements les différentes émotions au publicLes questions les plus fréquentes :A quel âge peut-on débuter ?Le chant est une matière musicale qui peut être débutée tôt notamment dans le cadre d'un éveil musical. L'éveil permet à l'enfant d'aborder avec son professeur l'apprentissage des différents registres sonores, des pulsations et des rythmes (de manière sensorielle), et de s'initier au chant ainsi qu'à la reconnaissance des instruments. A partir de 7-10 ans les cours de chant sont tout à fait envisageables. Il est possible à cet âge de découvrir sa voix et les différentes façons de l'utiliser ainsi que de travailler le sens de la mélodie. Néanmoins, le timbre ne sera travaillé qu'à partir de 16 ou 17 ans afin de ne pas perturber le développement des cordes vocales de l'enfant. Il est primordial pour les débutants de travailler sur des registres qui leur plaisent. Rock, variété, classique ou jazz constituent les 4 registres principaux qui peuvent être abordés lors d'un cours de chant. Après cela, la pose de la voix, le travail sur la justesse, le placement et la respiration constitueront les axes principaux de travail à aborder lors d'un cours de chant. La théorie sera abordée en fonction des besoins de chaque élève et de ses objectifs. Le solfège est-il obligatoire ? Dans le cadre d'oeuvre classique, ou de jazz, il est quasi indispensable de maîtriser le solfège afin de savoir déchiffrer une partition. Dans le cadre d'un cours de chant le solfège et intégré à la pratique. Dans le cadre des musiques actuelles, le solfège n'est pas vraiment obligatoire car la lecture des notes ne constitue pas un élément indispensable pour les cours. Un piano, des accompagnements CD ou un guide chant, pourront servir de support pendant les cours. Néanmoins l'acquisition d'un minimum de bases théoriques permet d'évoluer avec plus de précision ainsi qu'une meilleure compréhension de la musique. Est-ce que je peux prendre des cours de chant si je n'ai pas piano chez moi ?Oui bien sur, avec certaines méthodes CD ou avec un Guide Chant il est tout à fait possible d'apprendre sans piano. Un guide chant est un petit clavier portable qui permet de pouvoir utiliser les notes de la gamme afin de travailler sur la justesse de la voix de manière plus précise. Mais il est primordial de posséder une base mélodique afin de travailler à partir des notes de la gamme pour axer le travail sur la justesse.Peut-on débuter le chant dans tous les styles ?Est-il indispensable de faire du classique avant du se lancer dans le rock ou le jazz ? La réponse est bien évidemment non. Il est possible d'apprendre à chanter dans quasiment tous les registres, la seule difficulté va se situer dans le fait que certains styles demandent plus de travail et de connaissances que d'autres. Pour la variété ou le rock, l'approche du chant demande moins de technique que pour de la musique classique ou du jazz. En effet ces registres sont plus exigeants techniquement que les autres. Les cours dans ces registres s'apparenteront donc dans un premier temps à des cours de technique vocale. Mais il est tout à fait envisageable de débuter le chant par le chant lyrique ou le chant jazz ! En revanche, le mélange des styles peut constituer un atout intéressant pour l'élève. En effet la découverte de nouveaux registres permet d'aborder des choses différentes et ainsi enrichir ces techniques et le vocabulaire musical de l'élève.
0 Quels sont les grands pianistes d’aujourd’hui ? ...
Lorsque l’on parle de « grands » pianistes, les premiers noms qui viennent à l’esprit sont généralement Mozart, Chopin, Schubert, Schuman, Debussy et d’autres grands noms de la musique classique qui ont marqué l’histoire du piano au cours des derniers siècles. Les compositions de ces virtuoses, considérées aujourd’hui comme les grands classiques du piano, sont jouées à de multiples reprises et ont fait partie de l’apprentissage de la majorité des apprentis pianistes à travers des versions simplifiées ou originales. Certains de ces apprentis pianistes sont d’ailleurs devenus à leur tour de grands pianistes même s’ils ne sont pas encore élevés au rang des plus grands virtuoses de l’histoire. Qui sont donc les grands pianistes de notre siècle ? Découvrez notre liste, non exhaustive bien sûr ! Lang LangLang Lang est un pianiste chinois né en 1982 d’un père musicien qui l’a soutenu depuis ses premiers cours de piano, à l’âge de 3 ans. Très vite, le petit pianiste en herbe est considéré comme un virtuose et est admis au conservatoire de Pékin à l’âge de 9 ans. Il remporte alors de nombreuses récompenses confirmant un véritable don pour le piano. Lang Lang interprète de nombreux morceaux de Chopin, Tchaïkovsky, Beethoven et donne son premier concerto au Carnegie Hall de la 7e Avenue de New-York en 2001. Cette représentation marque le début d’une carrière internationale à laquelle se succèdent d’autres représentations mondiales comme la cérémonie d’ouverture de la Coupe du Monde de Football de 2006 ou encore la cérémonie d’ouverture des Jeux Olympiques de Pékin en 2008. Lang Lang a également fait forte impression auprès du grand public lors de la 56e cérémonie des Grammy Awards où il a interprété avec brio aux côtés du groupe mythique Metallica un de leurs titres cultes, One. YirumaC’est en Corée qu’est né Yiruma, pianiste talentueux aujourd’hui célèbre dans le monde entier. Yiruma a été révélé au grand public notamment lorsqu’un de ses morceaux, River flows in You a été proposé par les fans pour intégrer la bande originale de la saga Twilight. Bien que le titre n’ait pas été retenu, Yiruma vend aujourd’hui de nombreux albums dans le monde et connait un succès sans faille. Ses morceaux les plus connus, River flows in You et Kiss the Rain sont repris à de multiples reprises par de très nombreux pianistes amateurs sur un célèbre réseau social. Rudu LupuRudu Lupu est un des grands pianistes de notre siècle. Né en 1945 en Roumanie, il a commencé le piano à 6 ans, mais c’est vers l’âge de 12 ans qu’il a donné sa première représentation publique lors de laquelle il a interprété ses propres compositions. Ayant obtenu de nombreuses récompenses plus prestigieuses les unes que les autres comme la première place à la compétition internationale de piano Van Cliburn en 1966, il est connu pour ses interprétations des œuvres de Leos Janacek et Béla Bartok. Malgré ses nombreux concerts avec les plus prestigieux orchestres comme l’Orchestre symphonique de Chicago il a toujours su rester modeste et humble et considère que l’artiste doit avoir sa propre voix. Sonya BelousovaSonya Belousova est une jeune pianiste Russe reconnue enfant prodige lorsqu’elle avait à peine 13 ans. Elle a d’ailleurs été récompensée par le ministre de la Culture Russe. La jeune pianiste a composé pour des séries télévisées comme the Mist et est connue sur la toile pour ses interprétations de morceaux contemporains comme Bohémian Rhapsody de Queen. Sonya Belousova s’est révélée au grand public grâce à sa collaboration avec le célèbre compositeur Jorge Calandrelli qui l’a décrite comme une des plus jeunes et talentueuses musiciennes qu’il n’ait jamais connues et avec qui elle a sorti un album. Khatia BuniatishviliAutre grande virtuose du piano, Khatia Buniatishvili est une femme qui fait parler d’elle dans le milieu de la musique classique actuelle. Géorgienne d’origine et naturalisée en France, elle commence le piano très tôt, à l’âge de 3 ans, soutenue par sa mère. Elle donne ensuite son premier concert à l’âge de 6 ans et intègre en 2004 le conservatoire d’État de Tbilissi. Elle se fait remarquer suite à son concerto pour piano No 2 de Chopin au Carnegie Hall de New-York pour son talent et sa sensualité. Quelques années plus tard, elle sort son premier album solo produit par Sony BMG Entertainment. Yann TiersenContrairement aux autres pianistes de notre liste, Yann Tiersen n’est pas uniquement un pianiste de talent. Il est également violoniste, accordéoniste et surtout compositeur de renom qui s’est fait connaître mondialement grâce à la composition de la bande originale du film de Jean-Pierre Jeunet devenu culte, le Fabuleux Destin d’Amélie Poulain. À la suite du film, il a d’ailleurs obtenu le César de la meilleure musique de film. Il a ensuite composé d’autres bandes originales de films comme Good Bye, Lenin et a produit plusieurs albums. Marielle et Katia LabèqueLes sœurs Labèque sont deux sœurs et pianistes françaises connues pour leurs concerts en duo lors desquels elles jouent souvent face à face. Leur carrière internationale débute lorsqu’elles enregistrent leur interprétation de Rhapsody in Blue composée par Georges Gershwin pour deux pianos. Cet enregistrement leur vaudra leur premier disque d’or en 1980. Elles ont ensuite sorti de nombreux albums et réalisé des collaborations avec des orchestres prestigieux comme l’Orchestre Philharmonia. Dans un registre plus contemporain on peut citer d’autres pianistes ayant marqué notre siècle comme Chris Martin du groupe Coldplay, Mattew Bellamy de Muse, Elton John ou encore Aretha Franklin.
0 Pourquoi le « La » est-elle la note de référence ? ...
De nos jours, les musiciens professionnels comme les musiciens amateurs entament leur session de jeu en accordant leur instrument à partir du La (ou plus précisément du La3 à 440 Hertz). Inscrite entre la deuxième et la troisième ligne de la portée sur une partition, cette note correspond à la corde à vide du violon et de l’alto. Une note repère, utilisée comme référence depuis plusieurs siècles, même si elle n’a longtemps jamais été réellement la même…Jusqu’au XIXe siècle, une fréquence variable La notion de « fréquence » ne fait son apparition qu’au XVIIIe siècle et celle de « Hertz » qu’en 1930 (avant, on parlait de cycles par seconde). Autrement dit, avant ces périodes, les musiciens ne pouvaient s’appuyer sur aucun diapason commun : il n’existait pas de note fixe de référence !Sur quelle base les instruments s’accordaient-ils ?Au sein des orchestres, les instruments se réglaient par rapport aux instruments à vent (flûtes, trompettes…) dont la hauteur ne change pas, contrairement à la plupart des instruments dont le son peut être altéré par la température et l’humidité ambiante.Mais cette « référence » était aussi susceptible de varier en fonction des habitudes de chaque pays et compliquait la tâche des orchestres internationaux… Sans compter que ce diapason pouvait également évoluer en fonction du lieu de la représentation : par exemple, on distinguait le « ton de chapelle » plutôt bas pour permettre le chant et le « ton de chambre » traditionnellement plus haut. Pourquoi fallait-il que cet usage évolue ?Avec la révolution industrielle qui facilite la fabrication en série d’instruments et les exports entre les pays, l’absence de référence est devenue trop problématique. À l’époque, Verdi et Berlioz ont donc rejoint la contestation des chanteurs et des compositeurs, afin de pousser à la normalisation du LA.Pour l’anecdote, Hector Berlioz aurait écrit qu’il était persuadé que « l’élévation progressive du diapason est une cause de ruine pour les plus belles voix » : il faut dire que le La courait entre 330 et 560 Hertz entre le XVIe et le XIXe siècle.En 1939, la France a établi sa note de référence à 435 Hz, mais si cette initiative a inspiré les autres pays, elle est restée propre au territoire français… La normalisation mondiale du La arrive en 1953 ! En 1953, lors de la conférence internationale de Londres, le La3 à 440 Hertz devient la référence pour l’ensemble des orchestres du monde.Pourquoi est-elle fixée à 440 ?Il n’existe pas de réponse claire à ce sujet. Certains avancent qu’il s’agit d’une moyenne européenne des usages jusqu’alors pratiqués. D’autres pensent que l’export des instruments fabriqués en Europe vers les États-Unis explique ce choix - la fréquence élevée étant influencée par le jazz. Quelles sont les exceptions à cette norme ?En musique ancienne, comme les orchestres souhaitent respecter les anciennes conditions de jeu, les musiciens utilisent une fréquence différente. Par exemple, elle est de 466 Hz pour une musique de l’époque de la Renaissance, de 392 Hz pour du baroque français, 415 Hz pour du baroque allemand, etc.Mais si le La3 est désormais la norme, le musicien reste libre de jouer à la fréquence qu’il le désire : n’hésitez à en parler avec votre pour tester « différents La3 » et mieux appréhender les enjeux de votre choix final.Enfin, si vous décidez de respecter la fréquence officielle et si vous n’avez pas de diapason à portée de main, sachez que la tonalité d’attente d’un téléphone fixe est généralement fixée à la hauteur de 440 Hz.
0 Piano au conservatoire: l'intérêt de prendre un professeur particulier ...
Dans le cadre d'une formation au conservatoire, choisir professeurs de piano permet d'agencer une progression constante et rapide, et de varier les méthodes utilisées.Quel est le cursus suivi par les pianistes du conservatoire ? Principalement axé sur la voie classique, le conservatoire est un institut qui propose des cursus de formation dans divers instruments. Plusieurs organismes coexistent :Le conservatoire à rayonnement communal/intercommunal, ou CRC/CRILe conservatoire à rayonnement départemental, ou CRDLe conservatoire à rayonnement régional, ou CRRLe conservatoire national supérieur de musique et de danse, ou CNSMD La formation traditionnelle comporte trois cycles de quatre ans, et un cycle de préparation au milieu professionnel. Au cours du premier cycle, les élèves de piano effectuent 2h30 de pratique musicale par semaine, dont 1h dédiée à l'instrument choisi ou attribué. Intéressant, mais pas suffisant pour s'approprier le clavier et décortiquer les morceaux appris. En plus du travail personnel, le recours à un professeur particulier de piano représente un bon complément à la formation au conservatoire pour progresser rapidement. Comment trouver un professeur de piano de conservatoire ? Le statut de professeur de musique ne cantonne pas à un seul type d'activité. Il est donc fréquent de retrouver des professeurs agréés qui donnent alternativement des cours de piano et des leçons au conservatoire. Nos professeurs possèdent les compétences requises et pourront vous aider ou accompagner votre enfant dans son cursus de piano au conservatoire. Le professeur de piano, un soutien disponible Seul devant son piano, difficile de se remémorer les termes appris au cours de solfège et les indications pointées par le professeur. Ce qui semblait limpide et clair lors de la leçon devient beaucoup moins évident hors contexte. Les cours collectifs, fréquents les premières années, ne laissent pas le loisir à chaque élève de poser toutes les questions qu'il souhaite. Un professeur de piano se montre dans ces cas d'une grande aide pour reprendre calmement les points qui posent problème. Plus fréquent est l'entraînement, plus rapide sera la progression. En ajoutant un cours hebdomadaire ou mensuel à votre programme, vous serez d'autant plus sollicité et motivé sur l'apprentissage du piano. Au lieu de développer des réticences lors des séances d'entraînement à force de rejouer les mêmes passages, vous pourrez varier à loisir avec plusieurs morceaux et redonner à votre cerveau le goût du piano. Et qui sait, les exercices proposés par votre professeur de piano particulier vous aideront peut-être à enchaîner ces fameuses variations de Mozart ! Diversifier sa technique et ses méthodes de pianoPour découvrir les bases du jazz au piano ou apprendre des morceaux de variété en complément de votre bagage classique, rien de tel que de prendre quelques leçons en plus du conservatoire. Pourquoi se cantonner à un style, une méthode, une pédagogie ? Lors du cursus de formation au conservatoire, le professeur désigné suit généralement l'élève plusieurs années, ce qui présente à la fois des avantages et des inconvénients. Si le maître de piano connaît parfaitement l'apprenant et sait identifier ses difficultés, les morceaux qui lui conviennent, ou les points à travailler plus intensément, il risque également d'être moins attentif aux nouveautés qui émergent au cours de la vie artistique du pianiste. Goût pour de nouveaux styles de musique, blessures aux doigts ou aux poignets, difficultés à s'éloigner des acquis : les écueils se surmontent parfois plus aisément avec un professeur de piano extérieur, qui apportera un nouvel angle de vue.
0 Distinguer les principales formes de morceaux pour piano ...
À travers les époques, les compositeurs s'appuient sur différentes formes musicales pour créer des morceaux qui respectent certaines structures ou s'en affranchissent volontairement. Le piano constitue peut-être l'un des rares instruments qui se prête aussi bien aux morceaux en solitaire qu'à l'accompagnement du chant, à la musique de chambre ou à la musique d’orchestre. Voici un tour d'horizon des principaux types de morceaux que vous pourrez trouver en piano.Les formes musicales pour piano seul La sonate pour pianoFigure du classicisme et très prisée de Mozart et Beethoven, la sonate fait la part belle à l'instrument dans une structure évolutive qui reprend généralement les quatre mouvements suivants :Un premier mouvement rapide (allegro)Un deuxième mouvement lent (adagio)Une danse (menuet, scherzo)Un quatrième mouvement rapide (vivace) Your browser does not support the video tag. Les danses : valse, menuet, polonaise, gavotte, etc.La musique accompagne de tout temps la danse, qu'elle soit inspirée des traditions régionales (polonaise, mazurka) ou spécifique à une époque (le menuet de Louis XIV, le boléro de Charles III). Ces morceaux ancrent les temps forts pour accompagner les danseurs dans leur évolution, à l'image du trois-temps de la valse. Ils alternent des nuances marquées et jouent sur un tempo vivant, enjoignant au mouvement. Your browser does not support the video tag. Les étudesSi vous suivez des cours de piano, votre professeur pourrait bien vous proposer une étude d'un des maîtres du genre, que Bach a fortement inspirés avec son "Clavier bien tempéré". Pièce destinée à travailler un aspect technique du piano, l'étude ne s'adresse pas qu'aux débutants et figure fréquemment sur le programme des plus grands pianistes d'aujourd'hui dans ses versions les plus abouties. Your browser does not support the video tag. Les variations En partant d'un thème donné, les variations exploitent cette mélodie sous diverses formes en jouant sur la tonalité, le tempo ou l'accompagnement. Le thème utilisé provient du répertoire populaire, sous la forme d'un hymne national ou d'une chanson connue comme les célèbres variations de Mozart sur "Ah vous dirai-je maman". Il peut également être issu d'un morceau contemporain de l'époque du compositeur, qu'il apprécie particulièrement.La fugue pour pianoCette forme typique associe plusieurs voix qui s’interpellent sous la forme de questions-réponses autour d'un thème. La fugue et son principe d'imitation se retrouvent dans les canons, qui au lieu de présenter les voix chacune à leur tour, les mêlent ensemble dans un savant travail de contrepoints. Your browser does not support the video tag. Les morceaux de piano qui accompagnent le chant Le liedLa forme du lied provient de l'Allemagne et désigne un poème assez court chanté avec l'accompagnement d'un clavier. Il revêt une forme caractéristique de la mélodie française, avec couplets et refrains. Romantique par définition de par les textes qu'il utilise, le lied s'inspire de thèmes mélancoliques dont l'amour, la nature, la nuit ou le voyage. Il met en valeur la voix et les grandes capacités d'accompagnement du piano. Your browser does not support the video tag. La cantateDu latin cantare, chanter, la cantate marque l'époque baroque à travers des textes profanes ou sacrés. Une voix, parfois deux ou trois, mettent en musique un poème, et sont soutenues par l'accompagnement d'un ou plusieurs instruments. Cette forme, moins utilisée après la période romantique, reste toutefois largement relayée par des compositeurs récents. Your browser does not support the video tag. Les formes musicales pour piano et orchestre symphonique Le concerto pour pianoCette forme très connue des musiciens peut s'apparenter à un dialogue entre l'orchestre et le soliste. Le thème, repris par l'un ou par l'autre, se développe selon trois mouvements :Un premier mouvement rapide (allegro)Un deuxième mouvement plus lent (andante)Un troisième mouvement rapide (allegro)Il s'apparente de par sa structure précise à la sonate et à la symphonie. Your browser does not support the video tag. Les messesD'un caractère sacré, la messe comporte des textes liturgiques interprétés lors des cérémonies religieuses. Initialement, cette forme musicale concernait exclusivement les chœurs. Elle s'accompagne progressivement d'orgues, de claviers et d'autres instruments, jusqu'à devenir une véritable pièce d'orchestre. Une des compositions maîtresses de ce registre est le Requiem, ensemble de morceaux funèbres joués pour un enterrement. Your browser does not support the video tag. Les suites pour piano et orchestreLa suite constitue l'une des plus anciennes formes de musique. Elle reprend différents morceaux en alternant les tempos, pour produire un ensemble cohérent et agréable à écouter, sans lassitude. La structure d'une suite varie beaucoup selon les époques, elle peut tout aussi bien comporter des morceaux d'opéra, des danses de ballets ou servir de bande-originale à un film. Elle intègre cependant la plupart du temps un prélude ou une ouverture, qui en caractérise la tonalité générale. Your browser does not support the video tag.
