Cours de Musique à Charleroi Categories
0 Travailler le rythme quand on est débutant, comment faire ? ...
On pense souvent que le rythme, c’est quelque chose d’inné. Pourtant, le solfège est l’une des disciplines qui permet aux musiciens débutants de jouer dans le bon tempo, ce qui est essentiel en musique. Alors comment travailler le rythme quand on commence à jouer d’un instrument ou à chanter ? Le rythme nous conditionne et nous guide, même sans musiqueLa dernière chanson de Katy Perry « Chained to the rhythm » nous rappelle que le rythme est partout. Nous sommes tous guidés par des rythmes quotidiens : essuie-glaces, machine à laver, tic-tac d’une montre, horloge d’une église… Le rythme fait partie de notre quotidien. C’est lui qui va nous donner envie de bouger dès les premières notes d’une chanson de l’été.Des expressions telles qu’« elle a le rythme dans la peau » existent, comme si le rythme était une chose que l’on avait ou non, comme une fatalité. Pourtant, le rythme se travaille, comme la pratique d’un instrument ou le placement de sa voix. Prendre le rythme ou l’apprendre quand on est un jeune musicien ?En musique, c’est le solfège qui nous permet d’apprendre et de comprendre le mécanisme du rythme. Selon les professeurs particuliers et les méthodes utilisées, le solfège sera introduit dès les premières leçons, ou bien se fera au fur et à mesure de la pratique et des progrès de l’élève. Dans une école de musique en revanche, un élève qui commence à prendre des cours, commencera simultanément à prendre des cours de solfège, signe que cette discipline est indispensable au parcours de l’apprenti musicien.Vous trouverez toujours de grands musiciens autodidactes qui vous diront que le solfège est facultatif, mais ils sont bien minoritaires. Le rythme en musique n’est pas qu’une histoire de ressenti. « A chacun son rythme » : connaître ses points forts et ses lacunesNous avons tous des bases de solfège qui nous ont été inculquées à l’école, mais nous ne sommes pas nombreux à nous en souvenir clairement. Noire, blanche, croches, rondes… Les noms nous disent quelque chose, mais il est déjà plus complexe de savoir à combien de temps elles équivalent. Pour travailler le rythme lorsque l’on est un musicien débutant, il faut déjà avoir bien assimilé toutes les valeurs des notes. Il faut ensuite ne pas avoir peur du ridicule et revenir aux exercices que l’on faisait à l’école ou que l’on pratique avec les plus jeunes lors des cours d’éveil musical : taper les rythmes avec ses mains en prononçant le nom des notes : noire/noire/deux croches/noires/blan-che/noire… Cet exercice est la meilleure manière de visualiser les rythmes et de les assimiler. Un métronome lumineux ou sonore sera indispensable pour cet exercice. « Garder le rythme » et travailler régulièrementComme presque toujours en musique, c’est en forgeant que l’on devient forgeron. Seuls le travail et la pratique d’exercices réguliers vous permettront de progresser. Cela concerne la pratique d’un instrument, l’indépendance des deux mains par exemple, mais aussi la justesse ou la rythmique.Les professeurs particuliers sont en mesure de vous proposer des stages ou des sessions de perfectionnement. Les méthodes papier, quel que soit l’instrument que vous pratiquez, sont aussi majoritairement pensées en fonction des progrès rythmiques de l’élève. Sachez enfin que de nombreuses applications ou sites internet pour vous entraîner existent sur la toile.La maîtrise du rythme est une donnée que l’on ne choisit pas, tout comme la justesse en chant par exemple. Pourtant, ce sont deux domaines qui se travaillent, seuls ou aux côtés de son professeur.
0 Le vibrato en chant : l'apprendre et le maîtriser ? ...
Véritable marque de fabrique de certains timbres célèbres, le vibrato en chant soulève les passions autant qu'il divise. La perfection de son exécution joue pour beaucoup dans l'adhésion des auditeurs. Vous voulez savoir comment exécuter un vibrato avec votre voix ? Quelles sont les erreurs à ne pas commettre ? Découvrez tout ce qu'il faut savoir sur cette technique des plus intéressantes. Le vibrato de voix, qu'est-ce que c'est ? Mariah Carey, Whitney Houston, Susan Boyle... Qu'ont en commun ces femmes d'exception ? Elles possèdent toutes les trois un vibrato de chanteuse mémorable, propre à soulever à lui seul des montagnes d'émotion chez leurs auditeurs. Couplé à la justesse de la voix et à la puissance du coffre, le vibrato s'essaie à apporter des touches d'émotion puissantes, qui semblent venir vous chercher au plus profond de vous-même. Reconnaître un vibrato Le vibrato en chant est une technique de modulation du son, c'est-à-dire qu'il permet de faire varier l'intensité ou la hauteur d'une note tenue. Le résultat, lorsqu'il est maîtrisé, produit chez nombre d'admirateurs un sentiment immédiat d'adhésion à la mélodie. Attention, lorsqu'on parle de technique en vibrato, il ne s'agit pas à proprement parler de construire cette ondulation du son en la forçant, mais au contraire, d'apprivoiser un mouvement naturel de la voix.Concrètement, les notes effectuées pendant un vibrato sont la note initiale, le quart de ton ou demi-ton supérieur, ou le quart de ton ou demi-ton inférieur. Certains chanteurs poussent jusqu'aux 3/4 de ton, voire jusqu'au ton entier (c'est par exemple la différence qui existe entre la note do et la note ré). Comment se produit le vibrato en chant ? Quels sont les facteurs physiques responsables du vibrato de voix ? L'action de deux muscles situés dans la région du larynx, le thyro-aryténoïdien et son antagoniste le crico-thyroïdien, provoquent cette vibration naturellement présente chez tous les sujets potentiels à l'exercice. Les cordes vocales, du fait de la pression exercée dans les deux sens, se retrouvent libres de vibrer et provoquent cette fameuse oscillation de la voix. Il est rare de retrouver un vibrato naturel chez un enfant, ce dernier apparaissant plutôt après la mue, autour de la puberté. Pour asseoir une certaine emprise sur cette technique, il est recommandé de travailler sur la respiration afin de développer les bons réflexes au niveau de l'abdomen et du diaphragme. Le souffle, aussi décrit comme une colonne d'air, doit rester constant lors du chant, et notamment lors de l'utilisation du vibrato. Ainsi en jetant les bases du travail de la voix, vous permettrez un certain relâchement dans votre organisme, propice à l'apparition d'un vibrato régulier et harmonieux. Les différents types de vibrato en chant La classification des types de vibrato dans le chant lyrique ou de variété peut se faire selon quatre qualifications : tonique ou lent, sobre ou appuyé. La tonicité se définit en fonction de la rapidité ou de la lenteur du vibrato, tandis que le caractère sobre ou appuyé concerne la différence de hauteur entre la note initiale et la modulation obtenue. Le vibrato tonique et sobre Rapide et de faible amplitude, ce vibrato s'éloigne très peu de la note originale. À l'oreille, vous distinguerez un léger tremblement en fin de phrase, qui apporte une touche d'émotion assez caractéristique. Caruso, considéré comme l'un des meilleurs chanteurs d'opéra, possédait ce type de vibrato sobre et à la fréquence relativement élevée. Léo Ferré en distille également au fil de ses mélodies. Du côté des chanteuses, Marie Laforêt produit des vibratos très rapides avec une hauteur à peine modulée. Le vibrato tonique et appuyé L'amplitude atteint parfois le ton supérieur ou inférieur, ce qui produit un écart remarquable avec la note initiale. Mais la fréquence rapide du vibrato permet une intégration musicalement cohérente, comme le démontre la chanteuse Laura Pergolizzi (LP) qui parvient à conjuguer des vibratos rapides et de grande amplitude. C'est également l'arme redoutable utilisée par Édith Piaf avec un naturel désarmant. Ce vibrato ne passe pas inaperçu, même pour les oreilles moins averties. Il peut sembler lourd s'il est utilisé à profusion ou forcé par la voix. Le vibrato lent et sobre La lenteur du vibrato rend plus perceptibles la note initiale et le nombre de variations qui lui sont appliquées. Serge Lama l'exécute avec brio en modulant très peu la hauteur de sa note, produisant seulement un lent tremblement, comme pris par l'émotion. La très belle voix de Joan Baez s'enrichit aussi régulièrement de ces vibratos modérés qui apportent une résonance inégalable aux hymnes les plus classiques. Le vibrato lent et appuyé Ce type de vibrato en chant se retrouve davantage dans un contexte lyrique ou classique. Le chanteur Luciano Pavarotti en est l'exemple type, avec des modulations d'amplitude fortement perceptibles, et une fréquence lente qui permet de bien ressentir les différentes oscillations. Comment faire un vibrato avec sa voix ? La technique du vibrato en chant Vous vous demandez comment chanter avec un vibrato agréable ? Présent instinctivement chez certains, il n?apparaît chez d'autres qu'après un travail en profondeur sur la voix et le souffle. Avertissements réitérés : le vibrato ne se force pas, il se trouve. C'est en améliorant vos capacités de chanteur ou de chanteuse que vous parviendrez à créer cette subtile modulation. Plusieurs exercices existent dans le but d'éveiller votre conscience au passage du souffle dans la gorge et à son impact sur la pérennité du son. Vous pouvez par exemple saisir votre larynx entre les doigts et le faire osciller en produisant une note tenue. Autre possibilité, imiter le halètement d'un chien pour recréer des sensations dans la gorge et muscler le diaphragme. Expérimentez avec votre voix, mais prenez garde à ne pas forcer au risque de causer de vrais dommages à vos cordes vocales. Pour maîtriser le vibrato, il peut être intéressant de faire appel à un professionnel. Avez-vous déjà songé à suivre un cours de chant ? Nous vous proposons de nombreuses formules de cours qui pourront vous aider à affiner votre voix et comprendre la technique du vibrato. Les cours de chants sont d'ailleurs un moyen efficace de progresser sur la voie de la justesse, sans brusquer votre organe vocal. Quels sont les critères pour réussir un beau vibrato ? Tous les vibratos de voix ne rendent pas de la même façon. Innée ou acquise, cette technique peut toujours être améliorée en suivant les préceptes qui caractérisent un vibrato réussi : Il doit être régulier, tant dans la fréquence que dans l'intensité Les plus beaux vibratos semblent naturels, surtout pas forcés Comme tout ornement en chant, le vibrato se place avec parcimonie et non pas à chaque fin de phrase Mieux vaut s'abstenir que de pratiquer un vibrato non maîtrisé Le maître mot reste le lâcher-prise, car les contractions de la gorge empêchent l'apparition du vibrato Entraînement, persévérance et respect de la voix donneront leurs fruits Ni trop lent, ni trop rapide, le vibrato réussi ne doit pas demander d'effort Le vibrato forcé : comment le reconnaître et pourquoi l'éviter Il existe des méthodes utilisées par certains professionnels ou amateurs afin de recréer un vibrato simulé.La première consiste à s'entraîner à alterner deux notes proches, d'abord sur un rythme lent, puis en accélérant progressivement le tempo. La seconde technique de vibrato s'effectue à partir du diaphragme. En relâchant et contractant successivement ce muscle hautement sollicité dans la pratique du chant, le chanteur fait varier l'intensité de la note et produit une impression de vibrato. Cependant, il n'y a dans ce deuxième cas pas de modification de la hauteur de la note. Vous entendrez un do plus ou moins fort, qui restera un do.La beauté du vibrato, vous l'aurez compris, s'appuie sur le maintien d'une fluidité dans la force du son. S'il commence doucement, il doit continuer doucement. S'il est lancé à fort volume, il doit maintenir ce volume. La variation du volume sonore sur une même note n'est pas un vibrato, mais un trémolo, celui-là même que vous obtenez lorsque vous avez du mal à parler sous le coup de l'émotion ou que vous sautillez à vélo sur un chemin caillouteux. Pas très élégant... Une hauteur trop importante entre la note initiale et celle visée par le vibrato vous emmènera vers la trille, autre technique utilisée au piano qui consiste à alterner rapidement deux notes proches. Si Nathalie Dessay, cantatrice à la voix de soprano colorature, maîtrise à la perfection cet ornement des plus difficiles, elle concentre également des années de pratique nécessaires pour rendre la trille aussi agréable à l'oreille. Pour peu que votre vibrato soit trop lent, en utilisant la première technique par exemple, votre chant ressemblera plus à la voix d'une personne âgée à qui la tonicité musculaire fait progressivement défaut. En résumé, faites confiance à votre voix et continuez de travailler régulièrement sur des exercices de respiration et des vocalises progressives. L'apparition du vibrato sera la récompense de tous vos efforts. Vibratos et autres ornements dans les genres musicaux Le vibrato chez les chanteurs lyriques Dans le chant lyrique, la majorité des professionnels possèdent ce vibrato naturel, considéré comme le garant d'une bonne santé vocale. Il permet d'atteindre et de tenir des notes difficiles et de jouer légèrement avec la justesse sans que cela paraisse faux. Réaliser un vibrato lyrique se justifie également par la présence des orchestres qui accompagnent les chanteurs. Ce son projeté dépasse l'instrumentation et rend plus audible la mélodie chantée, qui à l'opéra n'est bien sûr pas amplifiée par micro. Pour diversifier vos techniques de chant, vous pouvez aussi apprendre à chanter les notes aiguës ou tenter ces astuces pour augmenter votre puissance. En effet, le vibrato apparaît plus facilement lorsque le chanteur possède déjà une certaine capacité pulmonaire. Les techniques ornementales du chant oriental Traditionnellement, le chant oriental possède de nombreux ornements chargés de développer la sensorialité et l'émotivité de la mélodie. Le vibrato oriental, à l'image de cette profusion d'expressivité, s'y fait d'une rare profondeur. L'incarnation la plus célèbre de ce timbre se nomme Oum Kalthoum, dont la voix exceptionnellement riche était admirée de Maria Callas elle-même. La chanteuse égyptienne impressionnait par des envolées légères complètement maîtrisées, et des vibratos en quart de ton distillés tout au long des morceaux sans jamais sembler ostentatoires. Les techniques de chant oriental peuvent s'apprendre en suivant des cours particuliers avec un professeur expérimenté en la matière. Qu'elle vienne d'Arménie, du Maghreb, de Chine ou d'Inde, la musique orientale s'appuie de façon plus explicite sur le transfert des émotions, d'où cette surabondance d'effets, détestée ou adorée, qui la distingue des répertoires occidentaux plus rectilignes. Le vibrato instrumental : guitare, violon, saxophone, etc. Le principe reste le même pour tous les instruments. La réalisation du vibrato se produit en faisant varier la hauteur d'une note, plus ou moins vite, avec plus ou moins d'amplitude. Là où le geste diffère, c'est sur la partie technique. Le vibrato en violon, et sur tous les instruments à cordes, nécessite un apprentissage afin de faire osciller la corde tenue pour produire cette variation régulière. C'est exclusivement dans le travail du bras, du poignet et du doigt que se concentre le caractère de réussite, bien que la technique requiert également un certain lâcher-prise de l'ensemble du corps. Dans la famille des instruments à vent, le vibrato peut s'obtenir de façon mécanique, mais aussi de façon plus naturelle avec un jeu sur le souffle semblable à celui produit par la voix. Comme pour le chant, la technique du vibrato sert dans l'expressivité du musicien, sur des passages qui nécessitent un appui particulier. Son utilisation parcimonieuse le rend encore plus délectable. Vous connaissez à présent l'essentiel sur la technique du vibrato. Cet article vous a-t-il donné envie de vous lancer dans les cours de chants ? Si vous avez encore des craintes à ce sujet, découvrez comment vaincre votre timidité pour trouver le professeur idéal qui saura vous guider vers le vibrato, et surtout, vers le plaisir de chanter.
0 Comment bien tenir ses baguettes de batterie ? ...
Lorsque l’on débute à la batterie, avant de jeter ses baguettes sur la caisse claire et essayer de reproduire les effets de votre batteur préféré sur votre crash, il y a un élément indispensable à maîtriser que l’on a trop souvent tendance à négliger : la bonne tenue de ses baguettes.Cela peut sembler évident pour certains ou moins important pour d’autres, mais quoi qu’il en soit, vous ne pourrez pas jouer correctement de la batterie si vous ne savez pas tenir parfaitement vos baguettes. Contrairement au piano ou à la guitare, on utilise un outil intermédiaire pour produire des sons sur une batterie : une paire de baguettes, le plus souvent en noyer blanc, en chêne ou en érable. Les baguettes deviennent le prolongement du corps du batteur. Pour être précis et régulier, comme l’exige cet instrument de musique, avant de bien connaître les rythmes et les différentes techniques de frappe, il faut connaitre toutes les petites subtilités de la prise des baguettes. Une bonne tenue des baguettes est le premier pas vers un apprentissage efficace et réussi. Choisir la bonne prise de baguettesIl existe deux types de prise : le traditional grip et le match grip. Ces deux manières de tenir ses baguettes auront un impact sur le jeu. Selon son niveau et le style musical que l’on joue, il est conseillé d’adapter la manière de tenir ses baguettes. Par exemple, les batteurs de Jazz sont généralement adeptes du traditional grip qui se prête particulièrement bien à ce genre musical. La prise timbale dite « Match Grip »Le Match Grip est la prise que l’on conseille généralement aux débutants, car elle est plus intuitive. On utilise cette position pour apporter de la puissance à son jeu, ce qui est le cas dans des registres plutôt rock ou métal. Il existe trois variantes de cette position :La prise françaiseLa prise allemandeLa prise américaine Match Grip : tenir ses baguettes à la françaiseLa prise française favorise les nuances. En effet, cette prise permet d’avoir un maximum de rebonds puisque la paume de la main est dans une position verticale et que la pince se fait entre le pouce et l’index. La Match Grip, la prise allemandeC’est la prise par excellence des débutants. Cette prise sollicite principalement le poignet et permet d’avoir un jeu puissant. Lorsque l’on joue avec une prise allemande, on oriente la paume de sa main vers le sol et l’on pince sa baguette entre le pouce et le majeur. La prise américaineLa prise américaine est le parfait compromis entre le match grip français et allemand. Il s’agit d’une position intermédiaire, puisque l’angle entre la peau et la paume est d’environ 45°. Comme pour la prise française, la pince se fait entre le pouce et l’index. C’est cette prise qui semble la plus naturelle pour bon nombre d’apprentis guitaristes.Maitriser la prise tambour « le traditional Grip »Cette prise doit son nom aux militaires, car c’est celle qu’ils utilisent pour frapper les tambours. Elle était à l’origine due à l’inclinaison des tambours militaires qui sont légèrement inclinés vers la droite.Pour tenir ses baguettes à la « traditional Grip », il faut placer la baguette entre le pouce et l’index et orienter la paume de la main vers le ciel. Cette prise est très courante chez les batteurs de Jazz. Même si elle n’est pas préconisée pour les débutants, elle est intéressante à essayer !A noter qu’il est tout à fait possible d’utiliser plusieurs positions en même temps. Vous pouvez tout à fait utiliser une prise française à la main droite, et opter pour une prise allemande à la main gauche. Cela dépendra de vos besoins, des morceaux que vous jouez, et bien entendu de votre aisance. A quel endroit doit-on tenir sa baguette ?Une baguette de batterie mesure en moyenne 41 cm. Cela laisse plusieurs possibilités pour positionner la main. L’idéal c’est de trouver l’endroit sur la baguette qui vous permettra de faire le plus de rebonds. Pour déterminer cela, à vous de tester ! Pour cela, prenez votre baguette et posez-la sur votre index, la paume de la main dans la position verticale. Sans la pincer avec le pouce, laissez-la basculer de sorte à ce que le bout "tombe" sur un pad ou un tom, et comptez le nombre de rebonds. Avancez ou reculez ensuite votre main sur la baguette et répétez ainsi l’opération. L’endroit qui aura permis le plus de rebonds est l’endroit où vous devrez tenir vos baguettes ! Si au début vous craignez de ne plus retrouver l’endroit exact, vous pouvez coller un petit adhésif qui vous servira de point de repère.Maîtriser ses baguettes dès le début de son apprentissage vous évitera de prendre de mauvaises habitudes et même de vous blesser. Dans les premiers temps de votre apprentissage, prenez toujours quelques instants avant de commencer à jouer pour vérifier la position de vos mains, mais aussi celle de votre corps sur votre tabouret.
0 Les bienfaits de la musique # 2 : La créativité et l'expression ...
La musique a un réel effet sur le développement de votre cerveau. En autre, il aide à développer la mémoire, la créativité et l'expression ! Une petite histoire ...Maria Joao Pires est une pianiste reconnue pour la qualité de ses interprétations.Pourtant un jour, elle surprend tous ses auditeurs…Le programme d’un concert en matinée prévoyait un concerto pour piano de Mozart.Lorsque l’orchestre commence à jouer l’ouverture, Maria Joao Pires se rend compte qu’elle a préparé un autre concerto ! Elle est stupéfaite. Elle parle au chef d’orchestre. Mais il est impossible d’arrêter le concert, et bientôt c’est à elle de jouer.On lit sur son visage la peur et l’inquiétude de jouer sans partition, sans préparation, sans répétition.Puis son visage change, la pianiste s’abandonne à la situation inconnue et périlleuse, se concentre, ferme les yeux… Les premières notes résonnent, seules : l’orchestre s’est tu. Chaque note, chaque articulation, chaque phrase musicale sont d’une densité et d’une beauté rarement entendues. Le moment est très émouvant. Maria Joao Pires donne à entendre un sommet d’interprétation musicale, un moment de pure créativité.En effet, en écoutant l’interprétation du concerto, on assiste à la conciliation de la tête et du corps, c’est-à-dire à la conciliation du langage et de l’expression. C’est ça la créativité : le moment où l’expression n’est pas soumise au langage, le moment où le langage est complètement intégré à l’expression. Cette faculté n’est pas miraculeuse. Elle s’apprend. En cours de chant ou en cours de guitare, en apprenant le piano ou la clarinette, chacun peut apprendre à être créatif.En apprenant un langage (la musique), et en vous exprimant (en jouant de l’accordéon ou du saxophone) vous expérimentez petit à petit le fonctionnement de la créativité. Petit à petit, à votre rythme, l’apprentissage de la musique donne des clés pour développer votre créativité. Lien vers la page wikipédia de Maria Joao PiresPour en savoir plus sur cette histoire vraie : http://jmomusique.skynetblogs.be/tag/maria+joao+pires
0 Le belting en chant : puissance des aigus et respect de la voix ...
L'apparition du belting en chant est liée aux années 1920. À cette époque, de nombreuses chanteuses de variété se produisent dans des bars ou des petites salles sans pouvoir disposer de matériel de sonorisation. Plutôt que d'adopter les techniques de chant lyrique, elles mettent en place ou reprennent cette façon différente de chanter avec puissance dans les aigus.Qu'est-ce que le belting en chant ? Il existe plusieurs définitions de ce qu'est le belting, qui dépendent à la fois du contexte musical et des chanteurs. Ce mot peut indiquer un timbre particulier comme celui d'Aretha Franklin, ou une technique destinée à reproduire cette sonorité. D'après les caractéristiques qui reviennent le plus souvent, le belting permet de :chanter plus fortchanter les notes aiguës avec facilitéapporter de l'émotion à une note, surtout si elle est tenueapporter une teinte particulière au timbre du chanteurpasser facilement des notes graves aux notes aiguësSi le belting concerne plutôt les femmes, il peut tout aussi bien être effectué par un homme. Lorsque vous entendez une note aiguë réalisée en belting, elle se distingue fortement des autres par une intensité particulière.En définitive, le belting va donner une teinte originale et émotionnelle à votre chant, tout en vous permettant de gagner en puissance au-delà de votre note de passage de la voix de poitrine à la voix de tête.Fausse vérité : le belting est la voix de poitrine poussée dans les aigusPour décrire rapidement le belting, vous retrouverez peut-être l'indication suivante : le belting est la voix de poitrine utilisée pour atteindre les notes aiguës. Il s'agirait donc de "pousser" la voix au maximum, au-delà de sa tessiture normale, pour continuer à chanter en voix de poitrine même dans les notes aiguës. Rien n'est plus faux, et c'est une erreur à ne pas commettre !Le belting diffère de la voix de poitrine. D'ailleurs, vous ne pourrez pas chanter avec cette technique l'intégralité des notes aiguës, le résultat serait en effet désagréable et criard. Le belting s'utilise par petites touches, sur des notes précises qui bénéficient d'un surplus d'émotion et de puissance.Avertissement : la technique du belting, mal exécutée, peut revêtir un caractère dangereux pour les cordes vocales. Pratiquez toujours selon les indications de votre professeur de cours de chant, en écoutant vos sensations et sans forcer. Quels genres de musique chanter en utilisant le belting ?Ladite technique convient plus particulièrement à certains types de musique, bien qu'elle soit à priori applicable à tous les genres. Vous la retrouverez notamment dans les morceaux modernes issus de :la pop,la soul,le gospel ou le reggae,les comédies musicales.Exercices pratiques de chant pour apprendre à faire du belting1. Travailler le passage en voix de têtePour atteindre les notes aiguës, vous devez passer en voix de tête à partir d'une note plus ou moins aiguë, située pour les femmes autour du troisième fa après le do médian du piano. Vous pouvez progressivement essayer de monter plus loin en parlant en voix de poitrine, sans forcer, pour gagner un demi-ton ou un ton. Ceci vous aidera à conserver de la puissance dans les aigus.2. Dire des "hey ho" de plus en plus aigusPartez d'une note confortable, sur laquelle vous pouvez énoncer en voix de poitrine les syllabes "hey ho". Demi-ton par demi-ton, continuez à parler en élevant la voix vers les aigus. Elle se transforme petit à petit, évoquant un appel vers une personne éloignée.Au niveau du ressenti, votre souffle se modifie progressivement. Contrairement au chant en voix de tête, le belting tend à couper le souffle, comme si vous chantiez sous l'eau en apnée ou que votre voix se trouvait en arrière de votre corps.3. Utiliser les voyelles ouvertes pour augmenter la puissanceL'une des astuces pour gagner en puissance de voix dans les aigus se base sur la portée de voyelles. Les voyelles ouvertes ont tendance à sortir plus facilement que les voyelles dites fermées. Les chanteurs trichent donc régulièrement en modifiant les voyelles des paroles sur les notes aiguës, et le e peut se transformer en a, le u en i, etc.Sur l'intonation "ouais", prononcez avec une voix haute et joyeuse, de plus en plus aiguë. Si le larynx monte dans votre gorge, c'est un bon signe. La technique requiert peu de souffle, et produit une note stridente.4. Passer au chant en beltingÇa y est, vous maîtrisez les exercices précédents ? Sélectionnez une phrase d'une chanson suffisamment aiguë, puis parlez-la d'abord sur une voix haut perchée. Ensuite, chantez-la en utilisant des voyelles ouvertes. Vous pourrez converger vers le texte original au fur et à mesure, en gardant quelques voyelles ouvertes -inspirez-vous pour cela des chanteuses lyriques, qui modifient les textes afin d'obtenir des notes d'une grande pureté.Comment pratiquer le belting sans danger pour la voix ?Comme dans toute pratique vocale, celle du belting doit avant tout respecter les cordes vocales. Si vous ressentez une tension, un inconfort, une douleur ou un serrement au cours de l'exercice, arrêtez immédiatement. Un autre point important dans le chant concerne la détente physique et mentale. Choisir une technique de relaxation en chant sera très profitable pour votre pratique vocale. Vous atteindrez ainsi plus aisément les notes difficiles grâce à des muscles relâchés.
0 Pratiquer la guitare quand on a la flemme ? ...
Tout musicien doit un jour faire face à ce puissant et redoutable ennemi qu’est la flemme ! Alors, si la motivation des premières semaines vous a quelque peu quittée ces derniers temps, pas de panique, voici quelques conseils pour pratiquer la guitare même quand vous avez la flemme ! Allons même plus loin : avoir la flemme ne serait-il pas un bon moyen de devenir un meilleur guitariste ?1- Apprendre la musique sans en avoir l’airIl arrive que le simple fait de se sentir forcé à s’entraîner puisse décourager. Alors, le mieux c’est encore de s’entraîner sans en avoir l’air. Prenez votre guitare entre vos mains et laissez-vous guider par votre inspiration. En effet, même si vous avez juste l’impression de gratouiller les cordes de votre guitare en dilettante, vous pratiquez quand même car vos muscles sont sollicités. Ce n’est de toute façon jamais inutile de dérouler ses gammes ou ses accords préférés. Un seul mot d’ordre : optimiser cette apparente perte de temps en la transformant en bon entraînement ! 2- Avoir une bonne méthodeS’entraîner avec un métronome, c’est bien mais s’entraîner avec une pédale loop ou un accompagnement musical, c’est mieux ! Rien de tel que la musicalité pour rendre un entraînement plus sympathique et plus dynamique. Avec une pédale loop, vous pouvez créer une boucle musicale dans le tempo souhaité, c’est donc un moyen idéal pour suivre le rythme. Si vous n’avez pas ce merveilleux accessoire, optez plutôt pour une piste d’accompagnement musical qui vous aidera également à garder le bon tempo. Si vous trouvez que tempo et rythme sont des termes qui reviennent souvent, c’est normal : savoir mesurer et garder son tempo en toutes circonstances est la base à maîtriser pour tout bon musicien. Quand on débute, il ne faut donc pas hésiter une seconde à se servir d’une pédale loop, d’une piste sonore ou d’un plus monotone métronome. 3- Se fixer un objectif Même si ce n’est qu’un entraînement non-officiel pour feinter la paresse, il reste intéressant de se mettre un défi à relever. Que ce soit des gammes, des accords ou des plans à travailler pour arriver à la cheville de votre artiste préféré, ayez en tête quelques mesures que vous souhaitez maîtriser. Par exemple, si vous voulez travailler un passage d’accord ou une montée de gamme, il sera bien plus facile et amusant de le faire en s’appuyant sur une boucle sonore. On peut ainsi juger des bonnes hauteurs de notes, savoir si ça sonne juste ou non et recommencer jusqu’à ce que ce soit parfait. 4- S’inspirer des plus grandsUn autre bon moyen d’apprendre tout en s’amusant c’est de travailler les plans d’autres guitaristes et d’y apporter votre petite touche personnelle. C’est en plus un très bon exercice à travailler à l’aide d’une boucle rythmique ou une piste de fond puisque cela créer un contexte de jeu. Accessoirement, c’est également indispensable pour garder le rythme pendant que vous vous appropriez le plan. Par exemple, prenez un riff de Jimi Hendrix, et voyez comment vous pouvez varier et moduler le rythme ou bien mettre en valeur différentes notes. Vous pourrez ainsi faire honneur à Hendrix sans le copier directement ! Le mot de la finN’oubliez jamais de vous lancer des défis à vous-même ! Vaincre la paresse et la flemme c’est avant tout éviter la routine ! Alors, challengez-vous sur différents tempos, travaillez votre sens du rythme et améliorez vos plans. Reléguez votre monotone métronome au placard de temps à autre et offrez-vous un entraînement musical digne de ce nom en utilisant les loops et pistes rythmiques. Amusez-vous et surtout gardez le rythme !
0 Comment devenir professeur de musique ? ...
A l’heure où de plus en plus de personnes cherchent à vivre de leurs passions, les musiciens amateurs sont nombreux à se pencher sérieusement sur un possible avenir de professeur de musique. Nous vous renseignons sur toutes les conditions à remplir et sur le parcours à suivre pour enseigner votre passion. Devenir professeur de musique, un métier pour moi ou pas ?Entre jouer de son instrument de musique pour son propre plaisir et enseigner son apprentissage à de jeunes – ou moins jeunes – recrues, il y a tout de même un monde. Un monde qui peut être largement dépassé, mais il est nécessaire de savoir à quoi s’attendre avant de se lancer dans le domaine de l’enseignement. Pensez-vous en faire votre métier ou donner des cours de musique pour obtenir un complément de revenus ? Combien d’heures par semaine ? Souhaitez-vous donner des cours très scolaires, rigoureux et extrêmement construits à des groupes d’élèves ? Préférez-vous l’intimité d’un cours ou de cours particuliers dispensés au sein d’une école ? Ambitionnez-vous d’enseigner la pratique de votre instrument de musique ainsi que la partie théorique qui l’accompagne au sein d’un conservatoire ou plutôt par le biais d’une association de quartier ? Avant de penser à devenir professeur de musique, mieux vaut avoir bien cerné les compétences et l’investissement demandés par chacun de ces divers postes. Quel niveau faut-il pour enseigner la musique à des élèves ? Voilà la première question que se pose un musicien lorsqu’il souhaite s’orienter vers l’enseignement de la musique. Cette première réponse vous sera donnée par la structure qui va vous employer ou par le statut que vous souhaiterez avoir. En France, la réglementation n’impose aucun diplôme ni aucun parcours pour les professeurs de musique, sauf dans le milieu de l’éducation nationale.Pour donner des cours dans une école de musique par exemple, il est presque toujours primordial d’avoir obtenu au préalable un Diplôme d’État de Professeur de musique.Pour enseigner au sein d’une association ou d’un foyer rural, le diplôme officiel ne sera pas toujours nécessaire, mais l’équipe responsable de votre embauche pourra vous demander de faire vos preuves.Pour enseigner à son propre compte, là encore pas de prérequis. Ce sont vos talents de commerciaux, de musicien, d’orateur et de pédagogue qui feront la différence. À vous alors de trouver vos élèves, via le bouche-à-oreille ou les réseaux numériques actuels.Pour enseigner dans nos écoles, il est en revanche nécessaire d’avoir un parcours, une motivation et une ouverture d’esprit remarquables. Chaque professeur a été choisi pour la qualité de son parcours musical et académique, ses aptitudes pédagogiques, mais aussi ses qualités humaines. Tous sont véritablement éducateurs, impliqués et très disponibles. Devenir professeur de musique demande-t-il d’autres talents ?Vous vous en doutez, il ne suffit pas d’aimer la musique et de la maîtriser pour bien l’enseigner. Vous devez prendre en compte toutes les facettes de ce futur métier et notamment, anticiper l’immense différence de niveau qui peut séparer vos élèves. Enseigner la guitare à un enfant de 5 ans ne sera pas la même chose que des cours dispensés à un adolescent motivé et prêt à travailler seul. Les cours de piano que vous donnerez à un père de famille totalement novice seront bien différents de ceux que vous proposerez à un virtuose entamant brillamment sa huitième année. Organisation, patience, écoute et bienveillance seront toujours de mise !Avant de devenir professeur de musique, mieux vaut avoir cerné tous les aspects de cette profession et étudié tous les parcours possibles. Les écoles de musique et professeur diplômés seront toujours privilégiés par les parents et les futurs élèves.
0 Apprendre le solfège est-ce nécessaire pour apprendre la guitare ? ...
Doit-on obligatoirement connaître le solfège et ses règles pour apprendre à jouer de la guitare ? Votre rêve de jouer de la guitare vous taraude, mais se dresse l’ombre du solfège… Et tout devient flou ! Et si cela était tout de même possible ? Le solfège ? Qu’est-ce donc ? Le solfège, c’est le langage universel des musiciens, qu’ils jouent de la guitare ou de n’importe quel autre instrument de musique. C’est en fait le seul langage écrit qui se comprenne à travers le Monde. Il est apparu au Moyen-Âge puis a évolué jusqu’à devenir ces cinq lignes que nous connaissons, et sur lesquelles se hissent de petits ronds noirs et blancs à queues, et des symboles étranges, des clefs de sol, des barres verticales, des vagues, des points, des chiffres… Apprendre le solfège revient à apprendre les notes et le rythme, la pratique de l’instrument vient ensuite ou se fait en même temps au fur et à mesure. Savoir lire une partition et la transposer sur le manche de sa guitare permet alors d’apprendre à jouer un morceau tout seul, sans modèle et sans aucune aide. Plus on maîtrise ce langage, plus on peut aussi le parler, c’est-à-dire accorder son instrument, jouer en groupe, et même composer de la musique. Le solfège est-il donc indispensable pour jouer de la guitare ?Lorsque l'on débute la guitare, c'est une question qui viendra se poser, un moment ou un autre.Procédons par analogie. Imaginons donc que vous décidiez d’apprendre l’espagnol. Si vous partez simplement en vacances en Espagne, il vous suffira sûrement d’écouter les expressions autour de vous pour commencer à vous exprimer quelque peu. Vous pourrez vite commander une paella, vous débrouiller dans la vie courante, mais qu’en sera-t-il lorsque vous devrez tenir une réelle conversation ? Sans réel apprentissage, sans exercices, à moins d’y passer plusieurs années, difficile de parler correctement. Il vous faudra sûrement étudier les règles d’orthographe et de grammaire locales si vous souhaitez vous exprimer à l’oral comme à l’écrit dans un espagnol irréprochable.Il en va de même avec la musique, avec cependant une mention particulière pour la guitare. La guitare, cet instrument à l’apprentissage tout particulier ?Les guitaristes possèdent aujourd’hui un autre langage bien plus simple que le solfège : les tablatures. Pour découvrir ce qu’est une tablature et en savoir plus sur la façon de la lire, rendez-vous sur notre article dédié.La voici la solution intermédiaire, il existe une possibilité d’apprendre la guitare sans passer par le solfège. Un professeur vous expliquera comment lire les tablatures en un rien de temps. Et les tablatures sont si répandues que vous pourrez télécharger sur internet toutes celles de vos morceaux préférés pour vous entraîner à la maison ou jouer avec vos amis.Solfège ou pas solfège en guitare, chacun son style et ses envies !Finalement, solfège et guitare sont-ils indispensablement liés, tout dépend de votre personnalité. Sans même évoquer les célèbres Jimi Hendrix ou Django Reinhardt, de nombreux guitaristes de talent n’ont jamais appris le solfège, baignant dans la musique depuis toujours, ou ont appris en manipulant un instrument trouvé dans un recoin de leur maison familiale.Prendre des cours de solfège ne colle peut-être pas avec votre idée de musique « cool », celle qui vous donne envie de faire exploser la reverb’ de votre ampli dans un garage… Mais si vous souhaitez connaître la musique en profondeur, approcher des morceaux complexes, voire composer, le solfège sera votre meilleur atout.Dernière bonne nouvelle… Vous pouvez très bien remettre le solfège à plus tard, tranquillement. Découvrir votre instrument, aiguiser vos sensations, approcher votre style favori peut se faire sans solfège, avec l’aide de votre professeur, et avec les tablatures. Les notions de solfèges peuvent ensuite s’intégrer en douceur, mêlées à la pratique. Apprendre à lire le rythme en est souvent l’une des premières étapes à suivre.
0 Comment maîtriser les techniques de jeu virtuose au piano ? ...
Vous rêvez devant les interprétations des candidats pianistes de l'émission "Virtuose" ? Trilles envolées, arpèges endiablés, intervalles plaqués sans effort apparent : comment travailler et s'approprier ces techniques de jeu virtuoses au piano ? Comme souvent dans l'apprentissage, la régularité de vos efforts sera la garante de votre réussite.La virtuosité au piano : une histoire d'époque La musique classique, avec Mozart et Haydn, s'oriente d'abord vers la précision et le respect des règles tonales. Le piano, encore à ses balbutiements, est utilisé comme un clavecin ou un orgue, et doit faire preuve de rigueur plus que d'originalité. La virtuosité au piano trouve son essor dans l'ère romantique. Liszt, Chopin, Scriabine et Rachmaninoff mettent au goût de l'époque un jeu rapide, difficile techniquement, qui requiert une souplesse et une vélocité particulièrement développées. Plus tard, la musique impressionniste, sous l'influence de Debussy, s'appuie sur les ornements romantiques tout en cherchant à se détacher de l'aspect technique pur. Il s'agit alors de faire ressentir à l'auditeur la couleur du morceau par la mise en avant de certains accords ou de certaines notes au cœur même de l'accompagnement. Quel que soit votre répertoire, travailler la technique pianistique reste indispensable pour pouvoir conférer à vos interprétations une portée véritable. Sans forcément aller jusqu'à la virtuosité, vous pouvez entraîner votre jeu sur différents aspects afin de mettre en valeur la musicalité du morceau. Vous gagnerez ainsi en souplesse, en rapidité et en précision.Travailler sa technique au piano Si les cours de piano restent une excellente option pour progresser rapidement, tout pianiste peut s'améliorer à condition de consacrer à la pratique un nombre d'heures suffisant.Apprendre les gammesCet exercice d’aspect rébarbatif représente pourtant une des bases de l'apprentissage du piano. Faire ses gammes permet à la fois d'acquérir des notions théoriques de solfège et de travailler la dextérité du poignet et des doigts. L'un de premiers points cruciaux abordés pendant les leçons de piano s'intitule "le passage du pouce". Cette étape indispensable se maîtrise assez rapidement, et permet d'effectuer des déplacements importants sur l'intégralité du clavier avec fluidité, sans relever démesurément la main. Petit exercice pratique : placez votre pouce droit sur le do médian, et les autres doigts de la main sur les touches blanches suivantes. Commencez à jouer chaque note à son tour jusqu'au mi, jouée par le majeur. À ce niveau, le pouce se glisse sous les autres doigts pour atteindre le fa à la place de l'annulaire. Continuez ensuite à jouer en déroulant un doigt par touche. Vous effectuez ainsi une gamme complète jusqu'au do supérieur, sans interruption. Il ne vous reste qu'à travailler dans le sens inverse pour redescendre : lorsque vous atteignez le fa avec le pouce, le majeur passe par-dessus pour atteindre le mi. Ça y est, vous connaissez la technique des gammes ! Cet exercice se complexifie et s'étend à des nombreux niveaux :Pratique des gammes à la main gauche (le passage pouce s'effectue sur la descente)Pratique des gammes majeures et mineures des autres tonalitésAccélération du tempoMise en place de nuances (crescendo sur la montée par exemple)Pratique des gammes chromatiques, diatoniques, etc.Travail synchronisé ou désynchronisé des deux mains ensembleModification du rythme (notes par doubles, triolets, rythme salsa, etc.)L'exercice peut s'avérer très ludique si vous ajoutez des difficultés au fur et à mesure de vos progrès. N'hésitez pas à laisser parler votre créativité ! Jouer des étudesUne fois les gammes visitées et revisitées, ou pour changer d'exercice, les études constituent un genre très important dans la bibliographie du pianiste. Elles peuvent être regroupées en méthodes avec d'autres morceaux, ou publiées sous forme de recueils. Les études sont en général écrites par des pianistes talentueux ayant développé leur propre technique, ou qui ont emmagasiné des connaissances importantes sur la théorie du piano. Elles visent à corriger et entraîner certains aspects considérés comme faibles chez le débutant, mais aussi chez le pianiste confirmé. Ainsi, certaines études interprétées par des virtuoses se trouvent être de véritables chefs-d’œuvre musicaux. Your browser does not support the video tag. Trilles au piano, notes répétées, grands intervalles : comment les réussir ?Les trilles au pianoCet ornement consiste à alterner très rapidement deux notes et se retrouve particulièrement dans la musique romantique. Your browser does not support the video tag. La difficulté majeure se porte sur la vitesse et la constance de deux notes jouées, notamment lorsque la trille porte sur des doigts présentant moins de dextérité (généralement majeur, annulaire et auriculaire). Voici quelques astuces pour travailler vos trilles :Gardez impérativement votre poignet soupleTravaillez votre dextérité avec des gammesJouez les trilles lentement d'abord, puis accélérezNe contournez pas la difficulté et utilisez tous vos doigts pour jouerTravaillez l'indépendance des doigtsPréférez la régularité à la vélocitéSentez la trille jusque dans votre avant-brasDétendez-vous !Les notes répétéesIl est fréquent de retrouver dans un morceau un passage comportant la même note répétée plusieurs fois, parfois pendant plusieurs mesures. D'instinct, le pianiste débutant effectue la note répétée avec un seul doigt. Pourtant, l'enchaînement et la rapidité de cette technique s'améliore en utilisant différents doigts. Choisissez une note, et jouez-la d'affilée en changeant de doigt à chaque répétition. Vous pouvez essayer majeur-index-pouce pour commencer. Ensuite, tentez le même exercice avec les autres doigts en les alternant par trois, quatre, voire cinq. Mêmes recommandations que pour les trilles : gardez le poignet souple, et privilégiez la régularité à la rapidité. Au fur et à mesure de l'entraînement, vous gagnerez en vitesse. Les grands intervalles au piano"J'ai des petites mains, impossible de jouer l'octave !", entendent régulièrement les professeurs de piano. Effectivement, difficile d'atteindre cet intervalle de 8 notes (du do au do) lorsque vos doigts sont naturellement courts. La taille ne fait pas tout : il faut également posséder une bonne souplesse. Votre empan maximum correspond à la distance entre l’extrémité du pouce et de l'auriculaire lorsqu'ils sont écartés. Rassurez-vous, il existe des astuces pour pallier aux difficultés rencontrées par les débutants :Étirez régulièrement vos doigts pour augmenter l'élasticité des ligamentsEntraînez-vous sur des intervalles plus petits pour habituer la mainJouez les intervalles trop grands en arpègeChoisissez des morceaux adaptés à votre empan (évitez Rachmaninoff !)Vous maîtrisez l'octave ? Passez aux intervalles de 9 et 10 notes ou plus, vous réussirez peut-être à jouer La Campanella de Liszt, une prouesse virtuose impressionnante par ses sauts constants de la main droite : Your browser does not support the video tag. Bibliographie des méthodes pour la technique pianistique Pour votre culture, par curiosité ou pour vous entraîner, il existe un grand nombre d'ouvrages dédiés à la technique au piano. En voici quelques-uns des plus connus"Petits livres de notes d'Anna Magdalena Bach", de Jean-Sébastien Bach Cette méthode relativement ancienne -début du 18e siècle- s'applique plutôt aux débutants, même si elle comprend des morceaux de difficulté variable. Il s'agit en fait d'un ensemble de partitions écrites par Bach lui-même, mais aussi par ses fils et par sa femme Anna Magdalena. Le piano de cette époque s'apparente bien plus au clavecin qu'à notre piano moderne, l'accent est ainsi mis sur la science de la musique plus que sur la technique, avec une recherche d'équilibre entre contrepoint et harmonie."Le Pianiste virtuose en 60 exercices", de Charles-Louis Hanon De son titre entier "Le Pianiste virtuose en 60 exercices, calculés pour acquérir l'agilité, l'indépendance, la force et la plus parfaite égalité des doigts ainsi que la souplesse des poignets", ce recueil datant de 1873 reste toujours un support pertinent utilisé par nombre de professeurs de piano, en particulier au conservatoire. Charles-Louis Hanon produisit cet ensemble d'exercices techniques très ciblés au terme de sa carrière de professeur de piano, pour permettre à tout apprenant d'acquérir rapidement des qualités de virtuose. D'après ce maître de chapelle, il faudrait tout de même 8 à 10 ans de pratique régulière pour parvenir à un niveau satisfaisant."Pour les enfants", de Béla Bartók Le compositeur signe à travers ces 79 morceaux (dans l'édition de 1945) de courtes études inspirées par des thèmes nationaux hongrois et slovaques. La construction de la musique est radicalement différente, car Bartók fut le précurseur d'une nouvelle façon d'appréhender la composition, basée sur des calculs précis de proportions de durée en opposition aux règles classiques auparavant de rigueur."Les classiques favoris", de Théodore Lack Ce type de méthode plus récent ne s'attache pas à proposer des exercices inédits, mais reprend plutôt des morceaux déjà existants de grands compositeurs, avec des annotations sur les points à travailler, l'actualisation des doigtés, des précisions sur telle ou telle technique, etc. Cette approche permet d'étudier la pratique à travers des styles variés, en évitant ainsi l'ennui consécutif aux méthodes traditionnelles et le risque de se cantonner à une technique trop mécanique, exempte d'expressivité.
0 Comment apprendre à jouer du blues à la guitare ? ...
Le blues et la country sont deux univers qui attirent très vite les jeunes guitaristes équipés de guitares électriques ou acoustiques. Voyage musical, défi, hommage ou simple découverte d’un univers dédié à la liberté, toutes les raisons sont bonnes pour s’essayer à ce style musical. Comment apprendre à jouer du blues à la guitare ? Guitare et blues, une histoire de sentiments« Les mots ne sont jamais les mêmes pour exprimer ce qu'est le blues » Johnny Halliday Malgré la disparition récente du chanteur, le blues n’a pas fini d’attirer les musiciens et notamment les guitaristes, tous niveaux confondus. Encore faut-il savoir de quoi on parle et ce qui caractérise exactement le blues.Lorsqu’il naît, le blues est porté par des « songsters », juste après l’abolition de l’esclavage. Ils annoncent en chanson le mal-être et les souffrances vécus par la communauté noire américaine à cette époque. Le blues est donc porté par des messages profonds d’exutoire mais aussi de tristesse et d’espoir entremêlés. Jouer du blues à la guitare, c’est avant tout comprendre ce genre musical particulier et accepter de s’impliquer, de se dévoiler. « Rythme » and blues, point n°1Le blues possède son propre schéma rythmique, basé en règle générale sur 12 mesures de 4 temps. Ces mesures vous proposent de jouer 3 accords : un accord de fondamentale, mais aussi sa quarte et sa quinte. Un blues joué dans la tonalité de MI donnera par exemple ces suites d’accords : MI - MI - MI - MI - LA - LA - MI - MI - SI - LA - MI – SI. Maîtriser ses gammes est un des premiers indispensables du blues, que cela soit en théorie, comme en pratique.Vous ferez alors la découverte de tout un tas de termes techniques qui doivent vous être expliqués en face à face, manches de guitares à la main, tels que le power chord, le shuffle, les hammer-on et les pull-off… Si ces notions ne vous sont pas familières, rendez-vous sur la toile, dans votre méthode de solfège ou aux côtés d’un professeur de musique diplômé pour quelques heures de cours. Vous n’en progresserez que plus rapidement ! «Feel » and blues, point n°2Alors que le classique demande rigueur, observation et précision, le blues est basé sur l’expression des sentiments et la remise en question des structures trop rigides. Altération des gammes, accords 7ème, riffs et bends, recherche d’un hybride entre majeur et mineur, le blues est une histoire de ressenti, de doigté et de « feeling ». Ce sont alors votre goût, vos sentiments et votre expérience qui feront toute la différence.Pour savoir ce que vous préférez, ce qui caractérise le blues, ou en tout cas celui que vous voulez jouer, écoutez de nombreux morceaux et imprégnez-vous de cette ambiance particulière. Jouez par-dessus ces musiques et tentez d’en comprendre les composantes musicales et rythmiques. Est-ce que vous parvenez à entendre ces accords grattés, décomposés, accentués ?S’entraîner pour jouer le blues en soloLe blues repose bien souvent sur des solos de guitare, puissants et porteurs. Mais avant de vous lancer et d’être le centre de toutes les attentions, mieux vaut vous entraîner assidûment et maîtriser toutes les subtilités du blues. Nous ne vous le rappellerons jamais assez mais prendre des heures de cours avec un professeur de guitare vous permettra de progresser bien plus rapidement.Quelques heures peuvent suffire et vous aider à surmonter des étapes clé de votre parcours de musicien. Et n’oubliez pas : « la musique vivra, tant que vivra le blues » !
